Вдохновляющие картины
Рассказываем, как Дали вдохновлялся необычным способом сна, Уильям Тернер ради творчества рисковал жизнью и здоровьем, а Иван Айвазовский просто очень много работал.
«Лунная ночь на Босфоре» (1894). Иван Айвазовский
Вдохновение — явление, без которого сложно представить настоящее творчество. Словарь Ожегова определяет его как «творческий подъем, прилив творческих сил». У каждого творца свои источники. По верному замечанию японского режиссера-аниматора Хаяо Миядзаки, «вдохновение можно найти даже в прогнозе погоды». Делимся секретами знаменитых художников и заранее предупреждаем, что как минимум один подвиг во имя искусства из перечисленных здесь лучше не повторять.
Уильям Блейк и видения
Британского художника и поэта Уильяма Блейка современники не понимали и считали безумцем. Лишь потомки сумели по достоинству оценить его наследие.
нри Крабб Робинсон, журналист и автор известных дневников и воспоминаний, писал, что в четырехлетнем возрасте Уильям узрел в окне голову Бога, а затем пророка Иезекииля в полях и дерево с ангелами. По утверждению Робинсона, Блейк говорил о своих видениях обычным безэмоциональным тоном, которым люди рассуждают о тривиальных вопросах. Художник полагал, что видения изначально есть у всех, но если способность к ним не развивать, то она исчезает. В конце 1780-х Уильям потерял брата Роберта, скончавшегося от туберкулеза. Когда тот умер, Блейк увидел, как его дух возносится к небесам и хлопает в ладоши от радости. Впоследствии художник говорил, что ежедневно и ежечасно общается с призраком Роберта.
В 1818 году Блейк познакомился с астрологом Джоном Варли — одним из немногих, кто не считал Уильяма сумасшедшим. Вместе они провели серию спиритических сеансов, в рамках которых вызывали духов различных исторических лиц и мифологических персонажей. Перед Блейком стояла задача запечатлеть образы, представшие перед ним. Результатом сотрудничества художника и астролога стала серия рисунков, получившая название «Головы призраков». Пожалуй, самая известная работа из этого цикла — «Призрак блохи». Блейк изобразил насекомое в виде ужасающего монстра с миской крови.
Есть мнение, что при создании «Призрака блохи» Блейк вдохновлялся не только видениями, но и иллюстрациями из «Микрографии» естествоиспытателя Роберта Гука
Жоан Миро и голод
Родившийся в Барселоне Жоан Миро в начале 1920-х перебрался в Париж. Несколькими годами ранее состоялась его первая персональная выставка в родном городе, которая не просто не принесла ему славы и денег, но и была высмеяна. По воспоминаниям Эрнеста Хемингуэя, во французской столице Миро приходилось нелегко. Молодому художнику катастрофически не хватало средств к существованию. Нормальный обед он мог позволить себе лишь раз в неделю. Все остальное время ему приходилось питаться только финиками. Впоследствии на вопросы журналистов об источниках вдохновения для ранних работ Жоан отвечал:
«Откуда я брал идеи своих рисунков? Ну, я приходил вечером в свою парижскую студию на Рю Бломе, ложился спать, иногда я не ужинал. У меня были видения, которые я зарисовывал в блокноте. Я видел образы на потолке».
Жоан Миро, испанский художник, скульптор и график.
Фактически голод выступал в качестве причины галлюцинаций.
На протяжении девяти месяцев, часть из которых художник провел на семейной ферме, а часть — в Париже, Миро писал картину «Ферма» (1921-22). Полотно купил Эрнест Хемингуэй за внушительную для него сумму в 5000 франков.
Уильям Тернер и разбушевавшаяся стихия
Английский художник-романтик Уильям Тернер всегда испытывал особый интерес к изображению разгулявшейся и крайне опасной стихии.
числе его полотен, посвященных буйству природы, — «Снежная буря. Пароход у входа в гавань» (1842). С этой работой связана интересная легенда, которая рассказана в частности в книге Михаила Бокемюля «Дж. М. У. Тернер. Мир света и цвета». О правдивости истории по сей день спорят исследователи и поклонники творчества художника. В полном названии картины указано, что ее автор был свидетелем бури в ту ночь, когда «Ариэль» отчалил из Хариджа. Если верить Тернеру, то он попросил матросов привязать его к мачте во время шторма. В таком положении Уильям провел четыре часа, как бы изнутри наблюдая за стихией. Подвиг художника кажется еще более удивительным, когда вспоминаешь, что на момент его совершения Тернеру было под 70.
Первые критики отнеслись к картине преимущественно отрицательно. Например, один из них назвал произведение Тернера «мыльной пеной и побелкой».
Сальвадор Дали и «секундная сиеста»
Великий испанский сюрреалист известен не только благодаря картинам, но и за счет эпатажного поведения. В свою жизнь Дали старался добавить как можно больше экстравагантных решений. Это относится и к его способу искать вдохновение, который он назвал «послеполуденный отдых с ключом» или «секундная сиеста». Метод прост как все гениальное. Дали садился в кресло, зажав между пальцами руки большой медный ключ. Рядом с собой на пол он ставил перевернутую металлическую миску. В таком положении художник пытался заснуть. Как только Дали достигал цели, ключ падал, раздавался звон, и следовало пробуждение.
Гала — главная муза Сальвадора Дали, неиссякаемый источник его вдохновения. «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» — одна из самых известных картин мастера среди тех, на которых запечатлена Елена Дьяконова.
Согласно легенде, подобным образом искал варианты решения сложных задач изобретатель Томас Эдисон. Только он вместо ключа держал в руке подшипник. В книге профессора инженерного дела в Оклендском университете Барбары Энн Оакли «Думай как математик. Как решать любые проблемы быстрее и эффективнее» объясняется, почему работает этот способ. Существуют два типа мышления — сфокусированное и рассеянное. У большинства переключение между ними происходит автоматически. Для этого достаточно лишь на некоторое время забыть о задаче, над которой ведется работа. Например, сходить прогуляться или заняться уборкой. Главное — отвлечь мозг, пока требующая решения проблема не уйдет из головы. Эдисон и Дали, расслабляясь, по сути переводили мысли в рассеянное состояние.
Пауль Клее и музыка
Немецкий и швейцарский художник Пауль Клее родился в творческой семье. Его мать была певицей, а отец музыкантом и преподавателем. Изначально Клее пошел по стопам родителей. В семилетнем возрасте он начал играть на скрипке. Среди его любимых композиторов значились Бах и Моцарт. У Клее были неплохие перспективы в качестве скрипача, но в итоге он решил отказаться от музыкальной карьеры. Впрочем, старое увлечение по-прежнему продолжало играть важную роль в его жизни и творчестве. Сам художник утверждал, что рисовал с музыкой в глазах.
Связь между двумя искусствами проявлялась в работах Клее на разных уровнях. Например, у него есть картина «В стиле Баха», написанная в 1919 году. Она обладает явным сходством с музыкальной партитурой. Линейность и ритмичность полотна напоминают о том, что Бах был мастером контрапункта.
«В стиле Баха» — переосмысление музыкальной партитуры в качестве композиции графических символов, таких как полумесяц, звезда, листва
В 1914 году Клее посетил Тунис. Это поездка оказала серьезное влияние на его творчество. В дневнике он сделал примечательную запись:
«Цвет овладел мной, мне незачем гоняться за ним. Это осенило меня в счастливую минуту: я и цвет едины. Я — художник».
Пауль Клее, немецкий и швейцарский художник, график, теоретик искусства, одна из крупнейших фигур европейского авангарда.
Вдохновленный полученным в Тунисе откровением Клее создал собственную теорию цвета во время работы в Баухаузе с 1922 по 1931 год. В ее основу легла радуга из шести частей в форме цветового круга.
Совмещение своего подхода к цвету с музыкальным прошлым помогло Клее обрести неповторимый стиль. В некоторых работах художника присутствуют прямые обращения и к цветовой теории, и к музыке. В их числе — «Гармония в синем и оранжевом», датированная 1923 годом. В ней комплементарные цвета сочетаются так, как если бы они были музыкальными нотами. При этом нередко Клее демонстрировал гармоничный подход к цветовой теории и способность «свободно импровизировать на клавиатуре цветов», избегая конкретных ссылок.
Цветовая теория Клее возникла под влиянием труда Гете «К теории цвета», в котором оранжевый относится к положительным цветам, а синий — к отрицательным.
Источник: render.ru
GC
Остановитесь на минутку и впустите в жизнь совершенство. Не так много возможностей у современного человека попутешествовать по миру, чтобы в лучших картинных галереях или музеях посмотреть красивые картины. Подборка фото с описанием шедевров известных художников поможет прикоснуться к прекрасному.
Живопись бывает разной. Одни картины вдохновят и пробудят все лучшее в душе, другие же с жестокой откровенностью откроют темную сторону человека. Великие художники умело воссоздают гармонию и трагедию жизни, божественную величественность мира, открывают красоту в, казалось бы, обыденных вещах.
Такие картины попадают в мировую сокровищницу полотен, независимо от того, где хранятся — в музее или частной коллекции. Прикоснитесь к миру живописи, познакомьтесь с лучшими произведениями классиков и современных мастеров:
Серия «Море» (Юстина Копаня)
Маринистические картины маслом художницы из Польши Юстины Копани создают меланхолическое настроение. Взгляд зрителя приковывает объемность, которую художница создает с помощью рельефных мазков и прорисовок.
Стропила и канаты, борта парусника выглядят реалистичными благодаря объемной технике, которую применяет Юстина Копаня. Автор использует большое количество масляной краски, наносит ее с помощью специального инструмента мастихина. Обычно им удаляют с полотна засохшие краски, Юстина же им пишет картины — формирует рельефные мазки.
Серию «Море» польская художница презентовала в 2010 году и сразу же завоевала аудиторию поклонников современной живописи атмосферностью полотен. Картины Юстины Копани — поэзия красок.
«Вальс солнечных зайчиков» (Лоран Парселье)
Получите позитивные эмоции от знакомства с творчеством французского художника Лорана Парселье. Он знаменит уникальной техникой солнечных бликов, с помощью которых передает красоту окружающего мира, его пестроту и яркость.
Лоран Парселье — современный импрессионист, поэтому его картины исполнены эмоций. Это жизнеутверждающие полотна, наполненные солнечным светом.
Картина маслом «Вальс солнечных зайчиков» презентует особенную технику мастера — мягкие мазки формируют каркас сюжета. Это избавляет импрессионистическое произведение от размытости и туманности.
Художник использует яркие краски, наполняя пространство солнечным светом. Блики солнца создают приподнятое настроение, заставляют поверить в то, что жизнь — это бесконечный праздник.
«Рождение Венеры» (Сандро Боттичелли)
«Рождение Венеры» — это символ эпохи Ренессанса, который представил главные эстетические и философские идеи этой культурной эпохи.
Талантливый флорентийский художник Сандро Боттичелли в образе Венеры, рожденной из морской пены, воплотил идею гармонии духовного и физического, идею величественной красоты человеческого тела.
Огромным достижением художника стало изображение главной героини — Венеры. Ее Боттичелли писал с первой красавицы Флоренции — Симонетты Веспуччи. Художник передал ее грациозность и нежность, утонченность и воздушность. Этот женский образ сочетает одухотворенность Мадонны (таков лик героини) и гармоничное телосложение — воплощение физического совершенства. Черты Венеры и других персонажей картины — вневременной идеал красоты.
Это полотно таит в себе множество загадок. Одна из них — это то, как художнику удалось оживить Венеру, сделать ее образ легким и реалистичным. Все дело в лессировке — нанесении слоев полупрозрачной краски.
«Звездная ночь» (Винсент Ван Гог)
«Звездная ночь» — картина, которая выбивалась яркостью красок и загадочностью из ряда работ Ван Гога времен его пребывания в Арли. Известно, что в этот период художник находился в депрессии. Он был разочарован, его одолевали приступы психического расстройства. И вдруг рождается «Звездная ночь» — воплощение надежды, торжества красоты, гармонии.
Сам мастер утверждал, что картина стала для него символом надежды и мечты. На зрителей завораживающе действует особая техника, которую использовал художник: концентрические круги создают впечатление бесконечности жизни, глубины Вселенной, величественность звезд — совершенной красоты мира.
Полотно представляет гармонию небесного и земного: бездонность неба уравновешивают кипарисы, которые тянутся к небу в желании присоединиться к вечному движению светил. За ними тянется и весь провинциальный городок. Так рождается романтическое ощущение прикосновения к вечному, которое одухотворяет обычного человека, возвышает его.
«Звездная ночь» Ван Гога напоминает о присутствии непознанного, таинственного и загадочного, что всегда будет манить людей, отрывать их от будничности и серости. Главное — взглянуть на небо, усеянное звездами.
Ученые утверждают, что это полотно содержит небольшую тайну, которая является ключом к замыслу художника. Звездные спирали воплотили последовательность Фибоначчи — гармоничную последовательность чисел, которую художники и математики древности находили в анатомии человека и окружающем мире.
«Голубые танцовщицы» (Эдгар Дега)
Эта картина была создана художником в последний период его творчества. Она не единственная, которая была посвящена балеринам. В мире искусства Дега называли живописцем танцовщиц. В их изящных фигурах его привлекала грациозность движения и красота ткани.
Дега живописными приемами стремится передать эстетику танца, зафиксировать женственность в движении. Сам художник был невысок ростом и неуклюж, поэтому его привлекала изысканная и утонченная женская красота, которая раскрывалась в танце.
Картина «Голубые танцовщицы» выполнена пастельными красками. Автор использовал технику расплывчатых мазков. Искусствоведы объясняют это тем, что Дега в период создания картины страдал от возрастной утраты зрения, а также импрессионистической манерой автора.
Эта размытость как раз и передавала легкость и непринужденность движений танцовщиц, которые готовятся к выходу на сцену. Эдгар Дега наносил и растушевывал краски пальцем. Это позволило достигнуть глубины цвета, его насыщенности и мерцания.
Картина имеет тайну: ученые предполагают, что на картине изображена одна и та же девушка в разных позах. Подтверждение тому эскизы, которые сделал мастер.
Читайте также: Самые загадочные картины великих художников
«Последний день Помпеи» (Карл Брюллов)
Чтобы изобразить гибель древнеримского города, уничтоженного проснувшимся Везувием, Карл Брюллов во время пребывания в Италии в 1827 году посетил раскопки Помпеи. Работа над полотном продолжалась шесть лет.
Художник изобразил одну из улиц Помпеи — улицу Гробниц. Ему удалось показать лучшие качества людей в ситуации разыгравшейся катастрофы. Небо укрыто клубами дыма, озарено кровавой зарницей пламени, которое извергает Везувий. Рушится все, что построено руками людей. Картина передает апокалипсис: культура отступает перед природной стихией.
Но важно другое: в момент гибели города его жители проявляют благородство, смелость и мужество. Автор мастерски передал симбиоз страха и беспокойства о ближнем, отраженных на лицах героев. Родители стараются защитить детей от лавы, сыновья выносят на руках больного отца.
На картине представлены два священника — христианский, который вверил судьбу небесам и спокойно взирает на происходящее, и языческий жрец, который уносит под плащом драгоценные культовые реликвии. Эти два образа символизируют установление верховенства христианской веры.
Центральный образ полотна — упавшая с колесницы женщина и маленький ребенок возле нее. Это напоминает о том, что человек лишь беззащитное дитя.
Карл Брюллов в «Последнем дне Помпеи» сочетал черты романтизма и классицизма (герои представлены в группах по трое), использовал техники античного искусства (изобразил обнаженные натуры, задрапированные тканями). Все это придает величественности и трагического пафоса картине.
«Джоконда» (Леонардо да Винчи)
О «Моне Лизе» да Винчи написаны тысячи научных трудов, сотни литературных произведений, однако произведение не перестает поражать своей красотой уже более полувека. Эта картина — символ философии Ренессанса, воплощение гуманизма.
Лиза Герардини (дель Джокондо) — знатная флорентийка, искусно изображенная великим художником Возрождения, покорила мир таинственностью своей улыбки. Загадочно приподнятые уголки губ, в которых только угадывается рождение усмешки, поставили в тупик многих искусствоведов.
Какие только версии ни высказывались: одни находили черты сходства модели и самого художника, указывали на похожесть Моны Лизы на любовника Леонардо. Однако восхищение вызывает не только героиня, а в целом композиция и техника, в которой выполнен шедевр.
Эта техника называется смуфато. Для нее характерно смягченное изображение фигур, людей и предметов. Кажется, что их окутывает и наполняет воздух. Мастерство художника, который использует эту технику, состоит в том, что толщина мазков не превышает 0,3 микрона.
Ученым так и не удалось разгадать загадку пейзажа, изображенного за спиной Джоконды. Считают, что это шифр, в котором зафиксированы тайные знания, полученные Леонардо от собратьев по эзотерическому обществу. Удивляет диспропорция композиции: правая сторона больше левой. И это только малая часть загадок портрета.
«Девушка с жемчужной сережкой» (Ян Вермеер)
Эту картину часто называют голландской сестрой «Джоконды». Девушка, изображенная Вермеером более 300 лет тому, — это воплощение изящества и невинности. Художнику удалось передать нежность и бархатистость ее кожи, выразительные голубые глаза, приоткрытый в удивлении ротик. Девушка представлена в движении: кажется, что она повернулась на чей-то окрик и вот-вот с ее губ слетят слова. Этот образ динамичный и загадочный.
На полотне есть четкий контраст темного и светлого. Своеобразная разделительная линия между ними — жемчужная сережка. Так автор добился трехмерности изображения. Для этого Вермеер воспользовался техникой лессировки — нанес полупрозрачные слои масляной краски поверх базового цвета.
Картина выполнена в популярном в XVII веке жанре трони, когда живописцы писали не полностью потрет, а только голову натурщика. Мастерство Яна Вермеера в том, что в картине «Девушка с жемчужной сережкой» он воссоздал психологический потрет девушки, открыл тайну ее эмоций и переживаний.
«Девочка на шаре» (Пабло Пикассо)
Картина Пабло Пикассо иносказательно передает эстетические поиски модернизма. В начале века творчество модернистов было сродни творчеству бродячих циркачей. Поэтому художник и выбрал сюжет, в котором представлен эпизод подготовки цирковых актеров к выступлению.
Главный конфликт — конфликт форм: шар — воплощение неподвижности и неустойчивости, неконтролируемости движений, а куб — это стабильность и устойчивость, тяжеловесность. Девочка — символ хрупкости и изящества, воплощение слепого поиска художественной выразительности. Гимнаст, готовый прийти на помощь юной коллеге, наоборот, статичен. Он символизирует стабильность и надежность.
В картине есть и цветовой конфликт розового и голубого, который передает душевное состояние самого художника и творческие изменения в его манере. Завершается длительный период депрессии, в которую впал Пикассо после известия о смерти своего друга Карлоса Касагемаса в 1901 году, и начинается яркий эмоциональный розовый период. Поэтому на полотне герои изображены на фоне розовато-красного пейзажа, символизирующего жизнь и движение.
Источник: www.nur.kz