Художники рисующие цветы
название выставки: «Моне. Водный сад в Живерни»
время проведения: 16.09.2014 – 31.12.2015
место проведения: Национальная галерея, Trafalgar Square, WC2N5DN, Лондон, Англия
сайт музея: www.nationalgallery.org.uk
Клод Моне был душой движения импрессионистов. Его девиз «изображать мимолётное» лёг в основу всей импрессионистической художественной системы. Моне, картины которого в 1870-е годы критика клеймила за «бессодержательность» и «техническую беспомощность», к концу жизни стал мэтром и патриархом европейской живописи.
«Портрет Моне» Каролюс – Дюран (1867)
Клод Моне—художник, рисовавший цветы
Клод Моне (1840-1926) родился в Париже 14ноября 1840г.
гда будущему художнику исполнилось 5лет, его семья переехала в портовый город Гавр – там прошли детство и ранняя юность Клода. Не отличаясь особыми успехами в школе, Моне преуспевал в рисовании. В 14лет Клод начал рисовать карикатуры на жителей Гавра, а с 15—продавал их, что, по собственным словам художника, принесло ему «некоторую известность… и совсем мало денег». Его отец Адольф Моне, торговец бакалейными товарами, увлечение сына не разделял: в будущем он видел Клода продолжателем своего дела.
Карикатуры, выполненные Клодом Моне
Только вмешательство тётки Клода Моне Мари Жанны Лекадр, художницы-дилетантки, заботившейся о юноше после смерти его матери-талантливой непрофессиональной певицы, заставило Адольфа Моне смириться с выбором сына. В 1859г Адольф Моне отпустил сына в Париж, назначив ему скромное содержание. Но творческие планы Клода разрушил всесильный закон непредвиденных последствий: Моне призвали в армию и отправили служить в Алжир, который в то время был французской колонией. Служба была непродолжительной: Моне вскоре заболел анемией и был демобилизован. По возвращению в Париж осенью 1862г, Клод Моне поступил в мастерскую известного художника Шарля Глейра, В плане технического мастерства учёба у Глейра практически ничего Моне не дала, но сыграла огромную роль в его самоопределении. В мастерской Глейра Моне познакомился с Фредериком Базилем, Огюстом Ренуаром и Альфредом Сислеем, которых объединяло критическое отношение к академической живописи и одинаковое видение путей её реформирования.
«Завтрак на траве» Эдуард Манэ
Начало поисков новой стилистики художниками, которых уже не устраивали цели и средства академизма, относится к 1860гг. Пропагандистом и главным защитником современного искусства был Эдуард Манэ, который в 1863г в «Салоне отверженных» выставил свою картину «Завтрак на траве». Первая важная выставка тогда ещё анонимной группы художников состоялась в Париже весной 1874г в мастерской фотографа Надара. С этой первой выставкой связана история происхождения термина «импрессионизм». В числе 165картин, авторами которых были Моне и 30 его единомышленников (Буден-единственный представитель старшего поколения, Сезанн, Дега, Писсарро, Ренуар, Сислей и др.) была представлена работа Клода Моне «Впечатление. Восход солнца».
«Впечатление. Восход солнца» Клод Моне
Реакция публики и критиков, пребывающих в плену у стереотипов академической живописи, на картины художников была далеко не дружественной. Критик Луи Леруа, обобщивший в своей ироничной статье впечатления широкой публики и специалистов от выставки, о картине Моне «Впечатление. Восход солнца» язвительно написал: «Я должен находиться под впечатлением, но картина не произвела на меня впечатления». Сомнительная шутка критика дала название целому направлению, замахнувшемуся на художественную революцию. Термин «импрессионизм» художниками был принят, потому что отвечал творческому методу, который они исповедовали: передаче мимолётного впечатления от натуры, фиксации ускользающих мгновений жизни, из-за чего возникает нечёткость и расфокусированность зрелища, и утверждение субъективного взгляда на мир. Художественные особенности импрессионизма—работа с натуры, эскизность, быстрота, отсутствие тщательного изучения формы предметов, определили характерный для творчества художников-импрессионистов предпочтительный тематический ряд: пейзаж, досуг и развлечения. Картины импрессионистов представляли лишь позитивные стороны жизни. Художники отказались от присущих академизму библейских, литературных, исторических и мифологических сюжетов. Импрессионисты занимали компромиссные промежуточные позиции и не затрагивали такие социальные проблемы, как голод, бедность, болезни и смерть, что позже привело к расколу в пространстве этого направления.
«Сад художника в Витёйе» Клод Моне
Отличия импрессионизма и академизма проявлялись в двух аспектах—идейном и техническом. Импрессионисты отказались от старых живописных техник, в первую очередь—от контура, заменив его мелкими и контрастными мазками, что дало возможность не смешивать краски на палитре, а получать нужный цвет путём правильного наложения краски на холст. Моне внёс большой вклад в создание этой техники: он придумал наносить на холст короткой кистью широкие грубые мазки, точки, зигзаги и штрихи. Моне работал с ограниченной палитрой, предпочитая чистые цвета, и использовал холсты с белой или кремовой грунтовкой, подчёркивающей яркость нанесённых на них красок.
Дом художника в Живерни
Жизнь на картинах импрессионистов—это череда маленьких праздников и приятного времяпровождения, их картины пробуждают ощущение благополучия. Трудно представить, что эти жизнерадостные произведения нередко создавались художниками во времена тягот и лишений. Конец 1870-хгг в жизни Моне был трудным периодом и в моральном, и в материальном отношении.
сле продолжительной болезни, в 1879г умерла жена художника—Камилла, оставив Моне с двумя малолетними сыновьями на руках. Помогла художнику Алиса Гошеде, жена разорившегося мецената Эрнста Гошеде, которому Моне доверил ведение своих финансовых дел: она приняла на попечение сыновей художника, которые росли вместе с её пятью детьми. После смерти Эрнста Гошеде Моне официально женился на Алисе Гошеде. Ситуация изменилась на рубеже 1880-1881гг, когда французский коллекционер и галерист Поль Дюран—Рюэль начал покупать картины Моне, и у художника появилась возможность поправить своё материальное положение. В 1883г Моне со своим многочисленным семейством переехал в маленький живописный городок Живерни в 80км от Парижа, где арендовал дом с большим фруктовым садом. В 1890г 53летний художник, уже располагавший немалыми средствами, купил этот дом, в котором жил и творил в течение 43-х лет.
Моне расширил и перепланировал примыкавший к дому яблоневый сад в цветущий. Сад был задуман «по-французски», каждому времени года соответствовали свои цветовые гаммы. Цветы были страстью Моне—полевые, садовые или срезанные, они постоянно присутствуют в его пейзажах. Однажды, когда ему в руки попал объёмный каталог цветочных семян, художник без колебания заказал всё. Но почётное место в саду было отведено любимым цветам Моне—ирисам.
«Сад» («Ирисы») Клод Моне
Настоящим шедевром стал «Сад на воде», который художник создал в 1893г, осушив болотистую местность и сформировав пруды и каналы. А в 1895г Моне построил знаменитый Японский мостик и увековечил его на одноимённой картине. В водоёме были высажены семена разных сортов кувшинок (нимфей), которые художник заказал в Японии, а по берегам—бамбук, плакучие ивы, ирисы и розы. Сад стал основным занятием и своеобразной «мастерской» художника, который как-то признался: «Кроме живописи и садоводства я ни на что не годен».
«Кувшинки» Клод Моне. Моне входит в ТОП—30 самых дорогих художников XX. Эта картина из знаменитой серии «Кувшинки» была продана в 2008г на аукционе Christie’s за 80,5млн долларов
После покупки дома в Живерни, художник в октябре 1890г писал: «Свершилось! Наконец-то я взялся за серию с различными эффектами». Моне первым ввёл в художественную практику многократное изображение одного и того же объекта при различном освещении и разных климатических условиях (знаменитые циклы, посвящённые собору в Руане, Лондону, серии «Стога сена» и «Тополя на Эпте»).
aquo;Сад на воде» вдохновлял художника в течение 20лет: здесь он написал более 300картин. Моне не скрывал свою привязанность к этому месту: «… ко мне пришло откровение моего сказочного, чудесного пруда. Я взял палитру, и с того самого времени у меня уже почти не было никогда другой модели». В поздних работах Моне пруд с кувшинками—самый популярный сюжет: Японский мостик—18вариантов, пруд с белыми кувшинками—13картин, водяные лилии—48полотен. В 1916г, в возрасте 76лет, Моне по предложению своего друга Жоржа Клемансо создал свой последний грандиозный шедевр—серию из восьми крупномасштабных полотен «Кувшинки». Эти картины Моне передал в дар Франции, и сейчас они размещаются в парижском музее Оранжери. Эти масштабные полотна составляют панорамный фриз около 70м в окружности.
«Кувшинки» Моне в овальном зале музея Оранжери
В 1926г, после смерти художника, всю собственность в Живерни унаследовал его сын Мишель. Не имевший собственных наследников сын художника завещал всё имущество и хранившиеся в Живерни картины французской Академии изящных искусств. Во время войны и в годы послевоенной разрухи из-за недостатка средств на содержание уникальный Нормандский сад пришёл в запустение. Многочисленные кредиты, акции по спасению сада, пожертвования французских и американских меценатов позволили возродить имение, а колоссальная работа лучших садовников Франции по реконструкции сада вернула ему первозданный вид.
к и во времена Моне, в Нормандском саду сейчас растёт около 100тысяч многолетних растений и столько же—однолетних, заменяющихся каждый год. В 1980г был создан Фонд Клода Моне, а дом и сад художника в Живерни были открыты для публики и стали второй по посещаемости туристической достопримечательностью Нормандии.
автор: Людмила Велигорская
Фото автора
Источник: 2queens.ru
Амбросий Босчарт — Натюрморт с цветами, 1614
Амбросий Босчарт– это один из первых художников, который специализировался на живописи цветочных элементов. Он входил в число основоположников написания очень подробных цветочных композиций, обычно изображавших яркие и реалистичные букеты, состоящие из тюльпанов и роз розового цвета. Его реалистичные работы очень симметричны и написаны с почти научной точностью. Художественный акцент сделан на белой розе, розовой гвоздике и желтом тюльпане, которые расположены перед корзиной с разнообразными яркими цветами. Поразительная картина символизирует краткое существование собранных растений и их мимолетной красоты, а также представлены недолговечные насекомые, которые разделяют с ними одну и ту же судьбу.
Джудит Лейстер — Тюльпан из ее Книги о тюльпанах, 1643
В 1600-е года луковица тюльпана стала чрезвычайно дорогой, поэтому написанные картины этих красивых цветов стали удобной и дешевой заменой настоящих образцов. Высокий спрос на специализированные каталоги тюльпанов побудил художницу Джудит Лейстер создать собственную цветочную книгу. Несмотря на то, что голландская художница в основном славилась своими потрясающими портретами, она писала прекрасные натюрморты и смогла создать свою фантастическую серию работ.
Мэри Кассат — Сирень в окне, около 1880-83
Мэри Кассат является одной из основателей американского импрессионизма. Она часто писала элементы, тесно связанные с домашней жизнью. Хотя ее картины обычно изображали человеческую фигуру, букеты цветов и цветочные сады также смогли отразиться в ее произведениях искусства. Ваза цвета баклажана, наполненная белым и фиолетовым букетами сирени, украшает открытое окно, наиболее вероятно, расположенное в теплице рядом с ее мастерской. Образ красочного букета белой и фиолетовой сирени представляет собой прекрасный пример угловой плавности художника и умелого академического стиля живописи.
Винсент Ван Гог — Натюрморт с двенадцатью подсолнухами, 1888
Подсолнухи являются основной темой двух отдельных серий масляных работ на полотнах Ван Гога и, вообще, самым распространенным мотивом в работе этого известного голландского живописца. Работа носит название «Натюрморт с двенадцатью подсолнухами» и принадлежит его серии живописи Арля, созданной в 1888 году. Он написал около четырех версий этого натюрморта, и эта последняя работа была переделана художником – Ван Гог добавил дополнительные цветы. Поэтому не стоит обращать внимание на название «Натюрморт с двенадцатью подсолнухами», потому что на этой картине присутствуют 15 цветков и не все из них подсолнухи.
Клод Моне — Водяные лилии, 1919
«Водяные лилии» Клода Моне – это самая известная работа художника. Серия картин на холсте, изображающая цветник самого художника в его доме в Живерни, была изображена как бесконечная водная поверхность. Художнику нравилась способность водного растения отражать солнечный свет, поэтому он написал серию картин, демонстрирующих перевоплощения цветка и окружающего его пруда в различное время дня и ночи и в различные сезоны года. Его водяные лилии варьировались от образного до абстрактного стиля, открывая дверь для дальнейшей абстракции в живописи. Эта картина 1919 года была закончена, подписана и продана самим художником, а многие другие произведения из той же серии остались незавершенными.
Джорджия О’Киффе — Красный мак, 1927
На протяжении всей своей карьеры Джорджия О’Киффе создала более 200 исключительных цветочных картин. Художница работала в основном с акварельными красками до 1918 года, а затем полюбила масляные краск и вскоре начала ими создавать крупные цветы на близком расстоянии, как если бы смотреть на них сквозь увеличительное стекло. Эта поразительная картина «Красный мак», датируемая 1927 годом, является прекрасным примером работ Джорджии О’Киффе. Увлекательная крупномасштабная живопись имеет яркие красные и оранжевые тона, которые заставляют зрителя с первых секунд влюбиться в художественную работу. В 1992 году почтовое отделение США решило отдать дань уважения личности великого искусства, сделав серию марок, основой которым послужила эта картина.
Эмиль Нольде — Пионы и ирисы, 1936
Когда экспрессионистский художник Эмиль Нольде с женой переехал в немецкое государство Шлезвиг-Гольштейн, они удивились красочным садам в этом районе. Поля, заполненные желтой рудбекией, георгинами и ярко-розовыми розами, резко изменили образ Эмиля Нольде. Он начал рисовать множество цветов на холсте с мощными и эмоциональными брызгами яркой масляной краски и акварели. Его знаменитая картина «Пионы и ирисы» прекрасно изображает красоту современного сада.
Энди Уорхол — Цветы, 1970
Известный поп-артист Энди Уорхол часто вдохновлялся цветами для написания картин и изображал разнообразные их виды – от белых ромашек до японской икебаны. Его серия цветочных картин 1964 года особенно поразительна, поскольку он использовал инновационную технику и яркие цвета, чтобы подчеркнуть гибкость формы гибискуса. Хотя эта серия подняла достаточно большую шумиху, так как фотограф, работы которого служили основой для цветочной серии, пытался подать на художника в суд, эта серия картин продолжала расцветать в течение следующих 20 лет. За эти два десятилетия Энди Уорхол создал множество цветочных картин в разных цветовых схемах и с различными уровнями абстракции, включая акриловую живопись с шелковистой поверхностью 1970 года под названием «Цветы».
Алекс Кац — Красные розы на синем фоне, 2001
Американский художник Алекс Кац знаменит своим изучением трехмерного пространства с упрощенными портретными и пейзажными образами. В 1960-х годах он впервые написал картину с цветами и изобразил необычный цветок в крупном масштабе. Позже он в изобилии начал изображать цветы и создавать работы, как в 60-х. В 2001 году талантливый художник покрыл большой синий холст розами красного цвета для создания своей лучшей цветочной картины — «Красные розы на синем фоне».
Марк Куинн – Радиоактивный сад Энцелада (в Ночном саду), 2010
Интересные и красочные цветы часто повторяются в произведениях Марка Куинна. Британский художник изображал все виды цветов, включая ирисы, антуриумы, подсолнухи и орхидеи. Его увлечение флорой началось в 2000 году, Марк создал свою знаменитую садовую экспозицию с множеством замороженных цветочных скульптур. Но художник также создал серию цветочных картин и рисунков, одна из которых нашла свое место в нашем списке. Картина «Радиоактивный сад Энцелада» (в Ночном саду) — это гиперреалистичное изображение клубники и ярких цветов в полном расцвете. В картине одновременно изображено стремление художника сохранить окружающую среду и человеческую потребность контролировать ее.
Источник: chrontime.com
Закрылся глаз нарцисса утром рано.
Раскрылась роза и бутон тюльпана.
Садовник в это утро встал чуть свет.
Сложил из роз невиданный букет.
X о с р о в Д е х л е в и (1253—1325)
Символ весны, олицетворение самого на земле чистого и светлого — цветы воспевались поэтами еще в седой древности. Слепец тот, вторили они, кто не способен радоваться и удивляться этим волшебным творениям природы.
И радоваться и удивляться цветам всегда умели художники. В Древнем Египте колонны храмов делали в виде пучков лотоса или папируса, а капители — в форме готовых раскрыться бутонов. Старинные китайские и японские свитки донесли до наших дней живые краски давно истлевших пионов, глициний, лилий. Дань красоте цветов всегда отдавали и мастера восточной миниатюры.
Не будь цветов, бесконечно обеднело бы декоративно-прикладное искусство. А такие промыслы, как Гжель, Хохлома, Жостово, вообще бы не существовали.
Одним из основоположников европейского цветочного натюрморта считается Ян Брейгель «Бархатный» (1568 —1625), живший в Южных Нидерландах. Позднее, особенно со второй половины прошлого столетия, многие живописцы все чаще обращаются к этому виду натюрморта. Ведь цветы дают возможность выразить всю сложность внутреннего состояния — спокойную созерцательность и философские раздумья, светлую грусть и бурную радость.
Художник изображает цветы, а те рассказывают о художнике, его характере, отношении к жизни, людям, себе самому. Способен ли он разглядеть подлинную сущность явлений, увидеть прекрасное в скромном, большое в малом?
Все пробелы в обучении тотчас скажутся, как только график или живописец возьмется за изображение цветов. Тому же, кто мечтает стать стоящим мастером, цветы помогут развить вкус, овладеть профессиональной грамотой, дадут ломание законов формы, светотени, колорита, воспитают способность анализировать и обобщать, Вспомните, как кропотливо изучал их великий немецкий художник Альбрехт Дюрер. И недаром говорил П.П. Кончаловский:
— Цветок нельзя писать «так себе», простыми мазочками, его надо изучить, и так же глубоко, как и все другое. Цветы — великие учителя художников: для того чтобы постигнуть и разобрать строение розы, надо положить не меньше труда, чем при изучении человеческого лица. В розах есть все, что существует в природе, только в более утонченных и сложных формах, и в каждом цветке, а особенно в сирени или букете полевых цветов, надо разбираться, как в какой-нибудь лесной чаще, пока уловишь логику построения, выведешь законы из сочетаний, кажущихся случайными… Я пишу их, как музыкант играет гаммы. Поработаешь часика два, так ум за разум насинает заходить — вместо цветов являются уж звуки какие-то…
Цветы можно рисовать и писать круглый год. зимой — комнатные, а уж в марте и апреле подснежники. Потом загораются желтые огни калужниц, купавниц, одуванчиков… Каждый день раскрываются новые бутоны.
Далеко не все отдают предпочтение роскошным розам, пышным пионам и георгинам, изысканным гладиолусам. И. Шишкин, И. Левитан, Е. Поленова чаще всего изображали скромные лесные и полевые цветы — васильки, ромашки, одуванчики, чертополох, зонтики сныть-травы.
Одним нравятся огромные пестрые букеты, другим небольшие, составленные всего из нескольких растений. Многие пишут и рисуют цветы прямо на месте, не срывая, в естественном окружении, то есть на пленэре.
Прежде чем избрать технику и метод работы, настроиться на определенное количество сеансов, не забудьте согласовать свои намерения с теми сроками, какие назначит натура: ведь цветы, кроме бессмертников, живут недолго, а некоторые всего один день, например мак. Быстро вянут крокусы, дикие ирисы, дольше остаются бодрыми розы, ландыши, купавницы, сирень, флоксы, еще дольше могут «позировать» гладиолусы, астры, тюльпаны, пионы, ромашки. Некоторые цветы, например ненюфары и тюльпаны, к вечеру закрываются. То же самое делают, чувствуя приближение дождя, фиалки, ноготки, шиповник.
Даже опытному живописцу очень сложно писать внушительный букет. Потому что нужно разобраться не только в строении и форме каждого цветка, но и в общей форме всего букета. Она имеет свои градации светотени, включая рефлексы. Важно, чтобы каждое растение, как бы оно ни отличалось по конструкции, тону и цвету, было точно вписано в ансамбль. Добиться этого можно только при одновременном видении частного и целого, постоянном сопоставлении всех частей букета.
Запечатлеть — это еще не все. Подлинный успех придет, если цветы так заворожили, что нельзя не взяться за карандаш и кисти. А. Дейнека говорил, что настоящие розы даже в картине должны словно излучать запах, иначе они будут фальшивы и в них не поверишь.
Итак, выбор техники и метода работы зависит от сложности формы и фактуры лепестков и листьев, их плотности или прозрачности, количества и долговечности цветов, присутствия других предметов, входящих в натюрморт, наконец, от вкуса мастера, его приверженности к определенным художественным материалам. Известно много прекрасных цветочных натюрмортов, выполненных маслом, акварелью, темперой, гуашью, пастелью.
Часто цветы пишут сразу, на одном дыхании, или в два-три сеанса, реже — частями, как бы добавляя один фрагмент к другому в соответствии с заранее продуманной композицией. Такой метод позволяет работать над картиной долго, тщательно отделывая каждую деталь. Так, например, создавал свое полотно «Цветы и фрукты» В. Садовников.
Иногда пишут по памяти — тут время вовсе не торопит. Зато работа с натуры дарит радость живого общения с цветами. И никакие самые правдоподобные муляжи не заменят трепетности их лепестков, тонкости аромата. Только медлить нельзя: пока не угасла яркость первого впечатления, нужно натюрморт закончить. Для этого самый подходящий прием письма — алла прима.
Им прекрасно владел К. Коровин. Путешествуя на автомобиле ранней весной по Крыму, художник любовался великолепием цветущих кустов и деревьев и заносил в альбом «цветовые заметки». Покупал целые снопы пышных, ярких, пахучих пионов, бережно приносил в гостиницу. Пристально вглядываясь в натуру, клал на палитру нужные краски, набрасывал углем едва заметный рисунок и начинал писать.
Когда Константин Алексеевич работал над эскизами для театральных постановок, то порой цветы подсказывали ему нужные сочетания красок. Он не увлекался подробностями, стремясь прежде всего уловить общее впечатление, написать натюрморт во всем гармоническом богатстве его оттенков. Каждый мазок точно передавал цвет, форму, тон и фактуру, и все полотно постепенно наполнялось воздухом, солнцем, ароматом зелени, фиалок, роз.
Для того чтобы написать цветы в один-два сеанса, необходимо тщательно подготовиться к работе, продумать компоновку, найти наиболее удачную точку зрения, выгодное освещение. Все это предполагает, что букет, который вы изображаете составлен со вкусом, композиционно продуман.
Ничто не должно мешать творчеству, поэтому следует позаботиться о художественных принадлежностях. Слишком грубый, жесткий ворс кисти не позволит передать ласковость красочных переливов, шелковистость поверхности растений. Загустевший разбавитель свяжет движения кисти, лишит исполнение легкости и прозрачности. Очень гладкий лист бумаги, взятый для работы акварелью, вызовет скольжение кисти, потеки, наплавы, неоднородность красочного слоя. Работа красками заранее обречена на неудачу, если сделан плохо, наспех подготовительный рисунок. Пока вы будете исправлять ошибки, либо угаснет ваше вдохновение, либо завянут цветы.
Не забывайте о простом графитном карандаше. Он поможет изучить конструкцию и форму цветов, облегчит работу маслом, акварелью, любыми другими материалами. Рисунки М. Врубеля — свидетельство неограниченных возможностей карандаша. Художник, например, изумительно передал воздушную ткань лепестков азалии, их трепетность, живую игру светотени, тончайшие тоновые отношения. Черно-белый рисунок стал живописным; он рождает ощущение цвета. Азалия будто светится изнутри.
Каждый мастер изображает цветы по-своему Полюбуйтесь веткой жасмина, написанной на шелке безымянным китайским живописцем XII века На оранжевом фоне свежо и звонко переливаются листья всеми оттенками зеленого — от почти голубого до охристого. Они словно драгоценная оправа белоснежных цветов. Особую силу и прелесть придает этому альбомному листу соединение безусловной правдивости с продуманной декоративностью.
На миниатюре, украшающей рукопись «Мухсиновой этики», сочиненной известным поэтом Среднего Востока Хусейном Кашифи, изображение роз приближено к орнаменту. Оно графично, плоскостно, нем использовано всего два цвета. Однако художник точно воспроизвел самое характерное — особенности строения цветов, бутонов, расположение ветвей и листьев.
Чарует полотно Ван Гога «Ваза с ирисами на желтом фоне». Желтый цвет был для этого замечательного мастера символом солнца, жизни, добра. Ван Гог любил воспламенить его соседством холодных, особенно синих, голубых, фиолетовых красок, что отвечало стремлению художника создать своей живописью «сияющую ноту». Над натюрмортом Ван Гог работал, по собственному признанию, с неослабевающим пылом, с огромным подъемом; он стал для живописца настоящим откровением в области цвета. Полотно восхищает мажорностью, динамичностью рисунка. В работе замечательно соединились плоскостность с иллюзией пространства; дело в том, что холодные по окраске ирисы кажутся от нас удаляющимися, тонущими в желтом мареве, а горячий фон вырывается я вперед и как бы их окутывает.
Известный театральный художник А. Головин писал: «У меня особая любовь к цветам, и я изображаю их с ботанической точностью». Цветам он посвящал отдельные натюрморты, а во многих портретах они служат своеобразными символами. Так, в автопортрете 1912 года художник изображен рядом с роскошными пионами; спустя 15 лет он написал себя, постаревшего, на фоне флоксов. В первом случае цветы как бы символизируют расцвет жизни, начало лета; во втором — приближение ее заката, раннюю осень.
Головин был прекрасным рисовальщиком и колористом. Его работы, выполненные главным образом темперой, отличаются композиционной заостренностью, тонким вкусом. Внося в мастерскую или комнату, например, огненную герань, он говорил: «Это мой камертон» — и уверенно строил по этому камертону красочную гамму натюрморта, портрета, эскиза театральной композиции.
Итак, цветы можно изображать во всем богатстве оттенков и рефлексов, свойственном пленэрной живописи, и с той или иной степенью декоративности. Но легко вспомнить сколько угодно цветочных натюрмортов, где мы не увидим ни того, ни другого. Например, произведения голландских мастеров XVII века, картины И. Хруцкого, замечательные гуаши Ф. Толстого никак не назовешь пленэрными или обобщенно-декоративными. Зато в них так зримо выражено восхищение формой, изяществом, многообразием красочного цветочного мира, так любовно, тонко, проникновенно показана неувядаемая прелесть растений. Тщательность и скрупулезность, с которыми работали и старые мастера, отнюдь не мешали достижению яркой образности и выразительности.
О магии цветов говорил В. Фаворский: «…рассмотрим цветок, простой цветок с серединой, с лепестками. Мощь его можно почувствовать, если всю поверхность покрыть цветочными лицами или глазами! Как их назвать — не знаешь, а все-таки они смотрят и имеют глубину, как лицо».
Недаром поэты сравнивают с цветами облик любимого человека.
Запечатленные на полотне, цветы словно излучают аромат нагретых солнцем лепестков, как у К. Коровина, навевают светлое лирическое настроение, как у И. Левитана, гремят подобно мощному аккорду, как у А. Дейнеки («Гладиолусы с рябиной»).
Цветы для художника — строгие экзаменаторы. По тому, как он их видит, как к ним относится, как изображает, можно судить о его отношении к людям, природе, жизни.
А.Д.Алехин
Журнал «Юный художник» № 6, 1983
Источник: www.hudkultura.ru
«Теплые» картины Игоря Левашова
Художник Игорь Левашов родился и учился в России, однако после окончания художественного института решил совершенствовать мастерство в академии искусства в Нидерландах. В этой стране он живет и сейчас.
Главной темой художественных работ Игоря Левашова являются цветы. Художник довел мастерство изображения растений до такой степени, что его картины вполне могут конкурировать с работами известных и прославленных художников.
Посмотрите на эти замечательные работы и обратите внимание, насколько хорошо художнику удается отразить нежность и утонченность цветочных бутонов. Нужно действительно любить цветы, чтобы воспроизводить их на полотнах так реалистично. В картинах Игоря Левашова невероятным образом сочетаются точность и мягкость линий. Именно поэтому его цветы не могут не вызывать восхищения.
Яркие цветочные букеты Гарри Дженкинса
Гарри Дженкинс – современный американский художник, который получил известность благодаря рисункам для открыток. После окончания школы искусств во Флориде он устроился в компанию, выпускающую почтовые карточки.
Чуть позже художник стал учителем рисования и открыл свою первую картинную галерею. Среди его работ особенно выделялись цветочные картины. В его коллекции они и сегодня занимают значимое место. Художник уже немолод, однако продолжает творить и создавать яркие и насыщенные картины. О том, как рисовать цветочные букеты, он даже рассказывает в своих подробных мастер-классах.
Васильковые мотивы Киры Паниной
Российская художница Кира Панина занимается не только живописью, но также графикой и дизайном интерьеров. Ее картины довольно разноплановы и часто отражают эпизоды из жизни, которые чем-то увлекли художницу. Должно быть, поэтому они такие «живые» и душевные.
Значимое место в творчестве Киры Паниной отводится самым разным персонажам: веселым, задумчивым, трогательным, мечтательным. Но есть у нее и восхитительные цветочные работы. Только посмотрите, какую красоту создает эта художница. Так трепетно полевые цветы могла написать только женщина.
Цветочные фейерверки Леонида Афремова
Леонид Афремов родился в Беларуси и здесь же окончил школу искусств, основанную Марком Шагалом. Популярность пришла к нему не сразу – только в 90-х годах, когда он переехал в Израиль.
Творчество этого художника интересно тем, что свои картины Леонид Афремов создает без помощи кисти. Все работы выполняются мастихином – специальным инструментом (нож-лопаточка), который используют в масляной живописи для смешивания красок. С его помощью художник наносит на полотно мазки, рождая невообразимые красочные пейзажи и натюрморты.
Сюжеты картин Леонида Афремова в большинстве случаев незамысловаты, но благодаря технике их выполнения и ярким краскам от них невозможно отвести взгляд. Полотна пропитаны оптимизмом, позитивом и жаждой жизни. И совершенно не важно, что на них изображено: люди, природа, города или цветы.
Источник: www.ogorod.ru