Натюрморты известных художников с цветами
Вдохновение вещь хрупкая, непредсказуемая, нежная:) Всегда мы ищем источник в красивом. Вот и я, прошерстив всевозможные альбомы с живыми букетами европейских флористов, наткнулась на целый пласт красоты — картины голладских, фломандских художников.
Немного истории.
«В 1581 году жители Северных Нидерландов провозгласили независимую Республику Соединённых провинций. Голландия стала лидером среди прочих. Последовали изменения в устройстве страны, в том числе, изменилась религия.Новая религия, кальвинизм, не признавала никаких икон и вообще, церковного искусства.. Голландские художники стали искать новые темы для своих полотен. Они обратились к окружавшей их действительности, будничным событиям, происходившим изо дня в день в соседней комнате или на соседней улице. Да и заказчики — чаще не вельможи, а малообразованные бюргеры — больше всего ценили произведения искусства за то, что они «совсем как живые».
Картины стали рыночным товаром, и благосостояние живописца всецело зависело от умения угодить заказчику. Поэтому художник всю жизнь совершенствовался в определённом жанре. Настроение, которым проникнуты произведения голландской школы, и даже их небольшой, как правило, формат говорят о том, что многие из них предназначались не для дворцов, а для скромных гостиных и были адресованы простому человеку.
Голландский натюрморт XVII в. поражает богатством тем. В каждом художественном центре страны живописцы предпочитали свои композиции: в Утрехте — из цветов и плодов, в Гааге — из рыбы. В Харлеме писали скромные завтраки, в Амстердаме — роскошные десерты, а в университетском Лейдене — книги и другие предметы для занятий науками или традиционные символы мирской суеты — череп, свечу, песочные часы. «
Питер Клас: «В цветочных натюрмортах композиция как фламандских, так и голландских произведений довольно стереотипна: плотный букет, собранный в вазу или корзину, сочетается с несколькими цветами, разбросанными врозь. Проявляя столь характерный для времени интерес к многообразию форм природы, художники вводили в свои цветочные натюрморты изображения кузнечиков, бабочек, мух, ящериц, лягушек, раковин, даже редкостных птиц.
В наиболее пышных букетах можно насчитать до тридцати сортов цветов, притом цветущих в разное время года. Эти картины создавались, естественно не с натуры, а на основании предварительных штудий, и целью художника было показать богатство и красоту царства Флоры, независимо от времени года.»
Вот так и мы, нынешние мастера флористики задумываемся о том, что надо составить букет реалистичный, такой, чтобы не оказались в одном букете, скажем, сирень и гладиолус:) А голландцы вон как щедро составляли букеты в своём воображении:).
А вообще, есть мысль, сделать как-нибудь вот такой шикарный букет с натюрморта. Думаю, это будет необыкновенно красиво:)
«И каждый объект на картине тогда соответствует тексту: роза, цветы полевые, насекомые — традиционный символ краткого человеческого существования, а бабочки и стрекозы — символ спасения души. Постепенно для таких натюрмортов отбирались особо значимые предметы. Песочные часы напоминали о быстротечности жизни, букеты цветов — о увядании и преходящем, дымящиеся лампы, трубки — о кратковременности, а королевские регалии — о всех богатствах, которые с собой в иную жизнь не возьмешь. Особо выделялся человеческий череп — яркий символ бренности, пустые (или наполовину выпитые) стеклянные бокалы, означавшие хрупкость человеческого существования и огарок свечи — символ угасшей жизни.»
» Очень часто символом бренности служат цветы и травы. Особенно, если цветы и травы — полевые. Помещенные на фоне пустого проема окна они еще более подчеркивают безнадежность. Иногда листья цветов изъедены насекомыми, а рядом разбросаны пустые раковины или орехи.»
Вот примеры.
Язык цветов, заимствованный еще Возрождением из средневековой символики, был в XVII веке понятен практически любому воспитанному аристократу. И потому гирлянды легко “читались” зрителями. Богоматери посвящали подснежники, померанец, розы, ирисы; обращение ее к Христу символизировалось тюльпанами; веткой чертополоха — страсти Христа; триумф небесной любви часто выражался нарциссом.
Натюрморты в виде букетов (в вазе, кувшине или просто на столе) обычно составлялись трех видов. И главный акцент на картине попадал на различные предметы. В радиальной композиции (стебли цветов расходились веером из одной точки) главным становится изображение цветка, помещенного в место схождения стеблей. Композиции второго типа, словно ковром, заполняют все пространство полотна. Тогда выстраивается вертикальная иерархия цветов и их значений. Третья разновидность композиционно встроена в фигуру треугольника. Здесь наиболее значимый цветок служит центральной осью, а остальные цветы симметрично группируются вокруг него. Впрочем строгая симметричность скоро нарушается и излюбленной становится, разработанная Я.Д. де Хемом S-образная форма букета с изящными завитками, предвосхищающими стиль рококо.
Складывается даже своеобразная иконографическая схема с четким делением на пространственные зоны. Внизу, возле вазы, обычно расположены знаки бренности — сломанные или увядшие цветы, осыпавшиеся лепестки, пустые раковины, гусеницы, мухи; в центре — символы скромности и чистоты (средней умеренности), окруженные пышными недолговечными цветами (ландыши, фиалки, незабудки, цикламены в окружении роз, гвоздик, анемонов и т.д.); увенчивает композицию крупный цветок, чаще обладающий положительным значением, этакий венец добродетели (да еще в окружении бабочек и стрекоз). Сама же ваза уподоблялась при этом хрупкому сосуду, однако могла иметь и толкование тела, как “сосуда мерзости и греха”.
Многочисленные стеклянные, хрустальные, да и глиняные сосуды, с цветами и без них, воспринимались как нечто хрупкое, неверное, готовое вот-вот разбиться. Дорогие сосуды лишь подчеркивали это ощущение, неся дополнительный смысл тщетности богатства. Содержимое же сосудов трактовалось по-разному. Вода — тема крещения, очищения, вино — тема причастия. Однако вино, особенно недопитое, могло символизировать и не до конца прожитую жизнь, и остаток бесполезной роскоши.
Почти всегда цветочные натюрморты дополнялись предметами, разбросанными на столе. Чаще всего, это пустые раковины — знак пустых плотских удовольствий. Плоды лимона, который снаружи красив, а внутри кисел. Яйцо — традиционный знак Воскресения. Лопнувший плод граната — символ плодородия, Христа и его искупительной жертвы. Земляника — знак мирского наслаждения и соблазна. И все это вместе (цветы, сосуды, предметы) служило единой идее.
Источник: www.livemaster.ru
Натюрморт с крабом. Виллем Клас Хеда
Есть мнение, что именно как жанр натюрморт оформился в Голландии, в 17 веке. Конечно, и до этого художники изображали букеты, фрукты, столовую утварь, но лишь как часть иной композиции. Более того, много лет натюрморт был неразрывно связан с религиозной живописью — цветы, в частности, обрамляли святые фигуры.
Мастера из Нидерландов изменили эту традицию. В 17-18 веках появилось несколько направлений голландского натюрморта и множество живописцев, прославивших жанр. Среди выдающихся имен — представитель «малых голландцев» Виллем Хеда (Willem Claesz (Claeszoon) Heda), чья картина «Натюрморт с крабом» сейчас хранится в российском музее Эрмитаж.
Пожалуй, среди вещей, на которые можно смотреть бесконечно, стоит упоминать и произведения Виллема Хеда. Хеда — «мастер завтраков»: на картинах сверкают хрустальные кубки, белеют скатерти, бликуют серебром кувшины, на тарелках разложена аппетитная (или не очень) снедь. Сюжеты неоригинальны, но мастерство исполнения, «живость» фактур поражают.
Пышные булочки золотятся будто только из печи, а бокалы хочется взять в руки. Мастерство художника выражается и в символизме каждого предмета «на сцене» — их расположение относительно друг друга выверено едва ли не с математической точностью. И каждый несет в себе собственный смысл. Так, к примеру, серебро означает богатство, лимон — красоту, в которой заключена горечь.
Натюрморт с черепом и пером. Клас
Соотечественник Хеда Питер Клас (Pieter Claesz) — еще один великий «малый голландец», работавший как в жанре «завтраков», так и в более мрачном, но весьма популярном в XVI-XVII вв.. направлении vanitas — «аллегоричный натюрморт». Термин имеет отношение к изречению Экклезиаста, писавшему, что все на свете — суета из сует. Собственно, “vanitas” и переводится с латыни как «суета».
«Натюрморт с черепом» реалистичен настолько, что вызывает экзистенциальную грусть. Картина глубоко метафорична и напоминает театральную сцену, где у каждого «актера» своё место, цель и даже действие. Так падающий бокал, лишенный зубов череп, угасшая лампа призваны напоминать зрителю о быстротечности жизни и непостоянстве мирского бытия. Каменная столешница словно вдвигается в пространство перед рамой, делая впечатление от полотна еще более ярким, создавая эффект присутствия. Как и другие полотна автора, «Натюрморт с черепом» отличается безупречным исполнением, тщательно выписанными деталями и фактурами.
Подсолнухи в желтой вазе. Ван Гог
Импрессионисты тоже экспериментировали с vanitas и его мрачными смыслами — стоит вспомнить хоть натюрморты с черепами, которые рисовал Сезанн. Но в творчестве ван Гога (Vincent Willem van Gogh), несмотря на весь трагизм жизненных обстоятельств художника, доминируют светлые жизнерадостные оттенки и предметы. Художник часто писал натюрморты, но визитная карточка мастера — знаменитые «Подсолнухи» в золотистой вазе.
Композиция пронизана светом и словно сама излучает его — яркий, солнечный, полный радости и ожидания чуда. Ван Гог обожал подсолнухи — для него эти цветы символичны и были исполнены глубокого смысла. В общей сложности он рисовал их около десятка раз — шедевры вошли в два цикла работ. Самый знаменитый букет подсолнухов написан в Арле, в 1888 году.
Сирень. Петр Кончаловский
А вот известные русские живописцы чаще предпочитали сирень. Исаак Левитан, Борис Кустодиев, Петров-Водкин, чья «сирень» не так давно установила мировой рекорд на Christie’s (картину продали за £9 286 250), обожали писать пушистые и душистые, белоснежные, розовые и лиловые гроздья нежного садового кустарника.
Многим школьникам довелось писать сочинения по одной из «сиреней» Петра Кончаловского. Художник стал настоящим певцом этого романтичного цветка, а его шедевры с персидской и обычной сиренью вошли и в золотую коллекцию русской живописи, и в школьные учебники. Внучка мастера Екатерина вспоминала, что в сезон ее дед писал цветы ежедневно. Все натюрморты Кончаловского прекрасны, но самый, на наш взгляд, впечатляющий — это «Героическая», на которой изображена корзина с соцветиями множества оттенков.
Откуда такое странное название? Полотно написано в самом начале эпохи сталинских репрессий, а интеллигентный, умный и глубоко порядочный человек, коим был художник, не мог не понимать сути и несправедливости происходящего. На грязноватом фоне, на неопрятного вида столешнице — яркие соцветия в солнечных лучах. Буйство оттенков, торжество жизни. Вопреки всему. Героизм?
Корзина с фруктами. Караваджо
Одним из первых «чистых» натюрмортов искусствоведы называют знаменитую «Корзину с фруктами» Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio). В ней нет никаких канонов, по которым написаны композиции более позднего времени — корзина расположена практически у самого края холста так, что у зрителя создается впечатление, будто стоит протянуть руку, и в нее упадет сочный плод.
К слову, этот прием художник использовал, чтобы отвлечь от «бедности» композиции — большую часть холста все же занимает пустое пространство.
Заключение
Сегодня жанр натюрморта не утратил популярности. Тысячи начинающих и маститых живописцев оттачивают кисти, изображая цветы, плоды и иные предметы в самых разных стилях — от классического до кубизма. И, возможно, какие-то из этих произведений тоже когда-то станут классикой, восхищающей потомков.
Источник: veryimportantlot.com
Таша и Аркаша Корзинкины только что нафоткали пару десятков дачных пейзажей, и усевшись на крылечке, залюбовались яркими флоксами и садовыми ромашками.
— Таш, а ты бы смогла нарисовать натюрморт с флоксами?
— Нет, Аркашенька. Я пока еще не готова. Этому надо учиться.
— Да ты что? – не унимается братик, — А чему здесь учиться? Все просто – тут лепесток, там лепесток, плюс травинки – и натюрморт готов.
Таша скромно улыбается. И немного подумав, вздыхает:
— Нет не всё так просто. Ты, Аркашка, не терпелив. А ведь многие известные художники писали натюрморты. И их работы весьма сложны. А техника на самом высшем уровне.
— Вот как? – удивляется Аркаша и подмигивает сестре, — Ну так расскажи мне про художников и их натюрморты.
Довольная Таша отложила в сторону фотоаппарат и принялась рассказывать.
— Хорошо. Расскажу тебе всё, что знаю про этот жанр живописи.
Например, Пабло Пикассо, успешно огрублявший и упрощавший очертания предметов, работал чаще в техниках кубизм и сюрреализм. Однако особое значение цветам художник придавал цветам. И поэтому в его ранних работах можно обнаружить флористическую тематику. А если сказать одним словом – натюрморты. Таким произведением является картина «Цветы». Композиция смешанная — из роз и полевых цветов, рождает и смешанные чувства. Простота и величие переплетаются между собой.
Современный австралийский художник Дэррил Тротт говорил, что наша жизнь похожа на цветок. И на его акварелях букеты кажутся живыми, ещё не сорванными с клумб. Весеннее очарование в буйстве раскрывающихся лепестков.
Вспомним, как Эдуард Мане в свойственной ему манере импрессионизма изобразил хрустальную вазу с цветами. Букет словно окутан дымкой, таинственно-невесомо. Композиция из разных растений смотрится просто и в то же время есть в ней нечто неуловимое и притягательное.
Клод Моне всю жизнь относился к цветам с восхищением и трепетом. Его работы изящны, легки и восхитительны. Нежные букеты кажутся ожившими.
И у нидерландского постимпрессиониста Винсента Ван Гога теплые чувства к природной невинности цветов отражены на многих полотнах. Одно из таких – «ваза с маками и васильками». Картины Ван Гога сложны и насыщены смыслами. Недаром считается, что уловить эти смыслы под силу только глубоким ценителям искусства.
Бельгийский живописец Жан-Батист Роби восхищает взор своими изящными букетами, которые кажется источают упоительные ароматы.
Не обошли стороной натюрморт и русские классики. Хотя поначалу и не считали этот жанр достойным внимания и применяли лишь при обучении для оттачивания художественных навыков. Но в начале XX века меценаты стали ввозить в страну картины из Франции. Завезённые натюрморты импрессионистов вызвали живой интерес у русских художников, что привело буквально к повальному выбору этого жанра многими знаменитыми живописцами от реалистов до абстракционистов. При этом все они писали каждый в своей манере.
Увлекся натюрмортами и художник Иван Крамской.
Значительный шаг вперед в русском натюрморте сделал импрессионист Игорь Грабарь. В процессе создания натюрморта мастер ставил разнообразные живописные задачи, проводил эксперименты и всякий раз достигал чего-то нового в композиционном плане, плане форм или цветовых решений. Так появились на свет многие прекрасные картины. Его «Сирень и незабудки» вдохновили немало других художников на новые эксперименты.
Не часто брался за натюрморты наш любимый художник-реалист Исаак Левитан. Тем не менее все его натюрморты проникнуты глубокой нежностью и словно бы излучают свет. Левитан любил после прогулки по лесу с учениками ставить перед ними цветы. При этом никаких особых усилий для создания композиций не прилагалось. Все было очень просто. И если хорошо присмотреться к натюрмортам живописца, то в них не заметно никаких отвлекающих от самого букета деталей. Зато каждому цветку и их общей композиции уделено много внимания. Здесь проявилось все мастерство художника-реалиста, который мастерски заставил цветы жить, играть множеством оттенков, и с полотна источать утонченные ароматы. Художником с трепетом выписан каждый цветок, каждый лепесток и даже случайная травинка, попавшая в композицию. Очаровательны его «Одуванчики», «Васильки» или «Лесные фиалки и незабудки».
Если вам понравилась статья ставьте лайк. Подпишитесь на канал, чтобы не пропустить новые публикации.
Источник: zen.yandex.ru
Натюрморты великих русских художников — на пути перемен
Наверное, было бы странно, если бы все русские живописцы взялись рисовать классические натюрморты, красиво выкладывая на столе предметы, скрупулезно обеспечивая фон и правильное освещение. Поскольку каждый мастер работал в своем направлении и манере, это привело к рождению на свет и самых необычных картин-натюрмортов. Посмотрим, как это проявилось у художников разных стилей.
Натюрморты русских импрессионистов, реалистов и модернистов
Значительный шаг вперед в русском натюрморте сделал импрессионист И. Грабарь. Хотя этот вид работ все еще оставался средством для оттачивания художественных навыков, в процессе создания натюрморта мастер ставил разнообразные живописные задачи, проводил эксперименты и всякий раз достигал чего-то нового в композиционном плане, плане форм или цветовых решений. Так появились на свет многие прекрасные картины, такие как «Сирень и незабудки», которые вдохновили многих других художников продолжить эти эксперименты.
Яркое наложение импрессионизма на неодушевленные предметы прослеживается и в работах А. Арапова. Размывая фон и избавляя зрителей от необходимости всматриваться в детали, художник сосредотачивается на эмоциях. Мы не увидим на его полотнах тончайшей прорисовки цветков или предметов, но без труда наполнимся эмоцией радости и ощутим дыхание жизни в его ярких работах.
Импрессионист К. Коровин и представитель модерна В. Серов буквально вдохнули в натюрморт жизнь, вписав его в пейзаж или какой-либо сюжет. Так, у Коровина рождается натюрморт с портретом В.В. Перцовой, в котором он уделил одинаковое внимание натурщице, прекрасным букетам и волшебному солнечному дню. А у Серова это соседство особенно ярко проявилось в знаменитой картине «Девочка с персиками», где можно одинаково полно любоваться очаровательной девочкой и бархатистыми персиками, подчеркивающими нежность юного создания.
У импрессиониста К. Петрова-Водкина большинство натюрмортов имеют такую особенность: в качестве предметов к традиционным цветам или фруктам он использовал какие-то вещи трудящегося человека. Так, на его известном полотне «Черемуха в стакане» изящная веточка черемухи окружена вполне житейскими мелочами — коробком спичек, письмами, журналом, посудой и другими вещами. Многие такие предметы повторялись в разных натюрмортах автора и использовались неспроста, так как художнику нравилось противопоставлять цвета, поверхности разной фактуры и изображать все объекты в сферической перспективе.
Художник-реалист Н. Богданов-Бельский использовал богатые композиции, в каждой из которых любой детали и цветовому решению уделяется максимум внимания, что делает натюрморт очень живописным.
У представителя модерна Н. Сапунова цветочные композиции буквально стали частью его жизни. Он создавал многочисленные композиции из ваз и букетов или одних цветов, которые могли словно узоры заполнять все полотно его картин. Отсюда и разнообразие работ, которые помогают зрителю глубоко почувствовать красоту и грандиозность момента, пережитого художником. Его натюрморты по большей части лишены прорисовки деталей, что помогает зрителю больше погрузиться в чувства, нежели в обдумывание сюжета.
Художник-реалист Б. Кустодиев при написании натюрмортов продолжал следовать своему живописному видению. Он любил рисовать отдельные букеты, создавал определенные композиции предметов или органично вписывал неодушевленные объекты в естественную среду. Многие его работы этого жанра очень реалистичны и детализированы.
Натюрморты русских абстракционистов
Не обошли вниманием натюрморт и представители абстракционизма, показав миру совсем другое видение реальности. Так, для И. Машкова натюрморт стал одним из его любимых видов работ. Будучи эксцентричным художником, он также непредсказуемо проявлял себя и в натюрмортах, работая в разных стилях от примитивизма до соцреализма. В результате на свет появились многочисленные колоритные «Хлебы», весьма реалистичная картина «Рыбы, овощи, фрукты», картина с мощными линиями «Фрукты на блюде (Синие сливы)» и многие другие. Натюрморты Машкова приковывают к себе внимание и вызывают разнообразные эмоции.
Не менее многогранно к работе с натюрмортами подошел и абстракционист В. Баранов-Россине. Так, мы видим, как в обычный сюжет «Натюрморт с цветами и фруктами» вторгаются плоскости и грани, искажающие пространство. А в работе «Натюрморт со стулом» уже прослеживается характерное для кубизма дробление картины на детали.
Уход от привычных форм и цвета проявился и в работе Никола де Сталя. Он использует в своих натюрмортах как характерную условность форм и цвета, так и разбиение на плоскости. Это позволяет взглянуть на представленную композицию совершенно с другой стороны. Например, в работе «Цветы» образ поверхности и букета в вазе легко узнаваем, но отказ от реалистичности заставляет воспринимать эту картину иначе. Заметим, что у художника было много натюрмортов с цветами подобного характера, в которых он экспериментировал с фоном, тонами и формами.
Дробление пространства и необычную для натюрморта цветовую гамму использует и В. Рохлина, которая много творила в стиле кубизма. В частности, в картине «Натюрморт с яблоками» зритель невольно вынужден отвлечься от привычных образов и погрузиться в новую атмосферу темных тонов и смещенных граней.
Натюрморты русских экспрессионистов
Экспрессионисты, как и импрессионисты, были сосредоточены на передаче чувств, причем им важен был максимальный накал этих чувств. Одним из художников, который создал в этом стиле множество натюрмортов, стал А. Явленский. Изучая его живопись, мы увидим яркие тона, часто несочетаемые друг с другом, угловатые формы, толстую черную обводку и искаженные очертания. Такие работы побуждают зрителя отойти от рассматривания, сравнения и оценивания и переключиться на переживание эмоций.
Наиболее сильно эмоции проявились в работах Х. Сутина. Реалистичные ужасающие туши животных или мрачные цветы в темных тонах многих заставят содрогнуться. Его работы неспроста вызывают такой эффект, так как они выстраданы всей его тяжелой жизнью. Сутин голодал настолько, что порой по ночам стучал соседям и клянчил хотя бы кусок хлеба, но когда ему что-то давали, терзаемый жутким голодом вначале рисовал натюрморт и только потом позволял себе съесть скудную еду. Но страдания в конце концов оправдали себя, так как и сегодня его натюрморты никого не оставляют равнодушным и уходят с аукционов за огромные деньги.
Мы рассмотрели далеко не всех русских мастеров, которые пробовали себя в новом для них жанре натюрморта. Интересные композиции неодушевленных предметов встречаются также у М. Ларионова, П. Кузнецова, Л. Поповой, Р. Фалька, В. Шухаева и некоторых других живописцев.
Источник: lermontovgallery.ru
Жан-Батист Клод Роби (фр. Jean Baptiste Claude Robie; 1821, Брюссель—1910, Сен-Жиль, Бельгия) — бельгийский живописец, литератор.
С 1838 года обучался в Королевской Академии художеств Брюсселя под руководством Бальтазара-Франсуа Тассон-Снела и Жана-Батиста ван Эйкена.
Впервые привлёк общественное внимание своими портретами Наполеона, однако известность ему принесли натюрморты.
Дебютировал со свои работами в 1842 году в брюссельском Салоне. В 1848 году был награждён золотой медалью за роскошный цветочный натюрморт. С этого момента художник активно участвовал в художественной жизни Брюсселя и являлся постоянным участником Салонов и выставок. Роби выставлялся в Брюссельском салоне с 1843 до 1875 год, получив ряд медалей.
Источник: aelita544.ru