Цветы в картинах великих художников

12.09.2017

Элементы природы, такие как животные, деревья и цветы, служили основными мотивами живописи на протяжении веков. В зависимости от времени цветочные картины часто носили мифологический, религиозный или медицинский смысл. В древнегреческих обычаях, например, гвоздика представляла собой символ любви, а плющ воплощал супружескую верность в Средневековье. Давняя  традиция цветочных росписей, распространенных в современной эпохе, и растительные элементы нашли свое место почти в каждом жанре искусства. Написание картин цветов и растений особенно процветало в XV и XVI веках, когда появились первые художники, специализирующиеся на природных образах. Произведения из этого периода обладали не только высокими декоративными свойствами, но и символическим оттенком, который придавал картинам философские коннотации.

Голландия имеет давние традиции цветочной живописи. Пожалуй, самый реалистичный художественный букет, созданный в XIX веке, который у всех на устах, – красочные дикие подсолнухи Ван Гога. Большинство самых известных и любимых цветочных картин имеют корни из «земли тюльпанов».

В XIX веке Клод Моне создал свою знаменитую серию живописи с водяной линией, которая захватывает постоянно меняющимися свойствами естественного света весной, летом, зимой и осенью и вызывает что-то на подобие медитативного состояния, которое гипнотизирует зрителей при наблюдении за картиной.

Наконец, яркие крупные планы Джорджи О’Киффе и Марка Квина вытаскивают цветы из своего естественного окружения, чтобы привлечь внимание зрителей к красоте расцветки и уникальной сингулярности, присущей каждому экземпляру.

От комплексной цветочной композиции XIX века до увлекательной розовой масляной живописи Алекса Каца и Марка Квина – мы представляем Вам «букет» цветочных картин, который заставит Вас заново полюбить различные цветы.

Амбросий Босчарт — Натюрморт с цветами, 1614

Амбросий Босчарт– это один из первых художников, который специализировался на живописи цветочных элементов. Он входил в число основоположников написания очень подробных цветочных композиций, обычно изображавших яркие и реалистичные букеты, состоящие из тюльпанов и роз розового цвета. Его реалистичные работы очень симметричны и написаны с почти научной точностью. Художественный акцент сделан на белой розе, розовой гвоздике и желтом тюльпане, которые расположены перед корзиной с разнообразными яркими цветами. Поразительная картина символизирует краткое существование собранных растений и их мимолетной красоты, а также представлены недолговечные насекомые, которые разделяют с ними одну и ту же судьбу.

Джудит Лейстер — Тюльпан из ее Книги о тюльпанах, 1643

В 1600-е года луковица тюльпана стала чрезвычайно дорогой, поэтому написанные картины этих красивых цветов стали удобной и дешевой заменой настоящих образцов. Высокий спрос на специализированные каталоги тюльпанов побудил художницу Джудит Лейстер создать собственную цветочную книгу. Несмотря на то, что голландская художница в основном славилась своими потрясающими портретами, она писала прекрасные натюрморты и смогла создать свою фантастическую серию работ.

Мэри Кассат — Сирень в окне, около 1880-83

Мэри Кассат является одной из основателей американского импрессионизма. Она часто писала элементы, тесно связанные с домашней жизнью. Хотя ее картины обычно изображали человеческую фигуру, букеты цветов и цветочные сады также смогли отразиться в ее произведениях искусства. Ваза цвета баклажана, наполненная белым и фиолетовым букетами сирени, украшает открытое окно, наиболее вероятно, расположенное в теплице рядом с ее мастерской. Образ красочного букета белой и фиолетовой сирени представляет собой прекрасный пример угловой плавности художника и умелого академического стиля живописи.

Винсент Ван Гог — Натюрморт с двенадцатью подсолнухами, 1888

Подсолнухи являются основной темой двух отдельных серий масляных работ на полотнах Ван Гога и, вообще, самым распространенным мотивом в работе этого известного голландского живописца. Работа носит название «Натюрморт с двенадцатью подсолнухами» и принадлежит его серии живописи Арля, созданной в 1888 году. Он написал около четырех версий этого натюрморта, и эта последняя работа была переделана художником – Ван Гог добавил дополнительные цветы. Поэтому не стоит обращать внимание на название «Натюрморт с двенадцатью подсолнухами», потому что на этой картине присутствуют 15 цветков и не все из них подсолнухи.

Клод Моне — Водяные лилии, 1919

«Водяные лилии» Клода Моне – это самая известная работа художника. Серия картин на холсте, изображающая цветник самого художника в его доме в Живерни, была изображена как бесконечная водная поверхность.
дожнику нравилась способность водного растения отражать солнечный свет, поэтому он написал серию картин, демонстрирующих перевоплощения цветка и окружающего его пруда в различное время дня и ночи и в различные сезоны года. Его водяные лилии варьировались от образного до абстрактного стиля, открывая дверь для дальнейшей абстракции в живописи. Эта картина 1919 года была закончена, подписана и продана самим художником, а многие другие произведения из той же серии остались незавершенными.

Джорджия О’Киффе — Красный мак, 1927

На протяжении всей своей карьеры Джорджия О’Киффе создала более 200 исключительных цветочных картин. Художница работала в основном с акварельными красками до 1918 года, а затем полюбила масляные краск и вскоре начала ими создавать крупные цветы на близком расстоянии, как если бы смотреть на них сквозь увеличительное стекло. Эта поразительная картина «Красный мак», датируемая 1927 годом, является прекрасным примером работ Джорджии О’Киффе. Увлекательная крупномасштабная живопись имеет яркие красные и оранжевые тона, которые заставляют зрителя с первых секунд влюбиться в художественную работу. В 1992 году почтовое отделение США решило отдать дань уважения личности великого искусства, сделав серию марок, основой которым послужила эта картина.

Эмиль Нольде — Пионы и ирисы, 1936

Когда экспрессионистский художник Эмиль Нольде с женой переехал в немецкое государство Шлезвиг-Гольштейн, они удивились красочным садам в этом районе. Поля, заполненные желтой рудбекией, георгинами и ярко-розовыми розами, резко изменили образ Эмиля Нольде. Он начал рисовать множество цветов на холсте с мощными и эмоциональными брызгами яркой масляной краски и акварели. Его знаменитая картина «Пионы и ирисы» прекрасно изображает красоту современного сада.

Энди Уорхол — Цветы, 1970

Известный поп-артист Энди Уорхол часто вдохновлялся цветами для написания картин и изображал разнообразные их виды – от белых ромашек до японской икебаны. Его серия цветочных картин 1964 года особенно поразительна, поскольку он использовал инновационную технику и яркие цвета, чтобы подчеркнуть гибкость формы гибискуса. Хотя эта серия подняла достаточно большую шумиху, так как фотограф, работы которого служили основой для цветочной серии, пытался подать на художника в суд, эта серия картин продолжала расцветать в течение следующих 20 лет. За эти два десятилетия Энди Уорхол создал множество цветочных картин в разных цветовых схемах и с различными уровнями абстракции, включая акриловую живопись с шелковистой поверхностью 1970 года под названием «Цветы».

Алекс Кац — Красные розы на синем фоне, 2001

Американский художник Алекс Кац знаменит своим изучением трехмерного пространства с упрощенными портретными и пейзажными образами. В 1960-х годах он впервые написал картину с цветами и изобразил необычный цветок в крупном масштабе. Позже он в изобилии начал изображать цветы и создавать работы, как в 60-х. В 2001 году талантливый художник покрыл большой синий холст розами красного цвета для создания своей лучшей цветочной картины — «Красные розы на синем фоне».

Марк Куинн – Радиоактивный сад Энцелада (в Ночном саду), 2010

Интересные и красочные цветы часто повторяются в произведениях Марка Куинна. Британский художник изображал все виды цветов, включая ирисы, антуриумы, подсолнухи и орхидеи. Его увлечение флорой началось в 2000 году, Марк создал свою знаменитую садовую экспозицию с множеством замороженных цветочных скульптур. Но художник также создал серию цветочных картин и рисунков, одна из которых нашла свое место в нашем списке. Картина «Радиоактивный сад Энцелада» (в Ночном саду) — это гиперреалистичное изображение клубники и ярких цветов в полном расцвете. В картине одновременно изображено стремление художника сохранить окружающую среду и человеческую потребность контролировать ее.

Источник: chrontime.com

Цветочный символизм всегда присутствовал в культурах разных стран, ведь цветы сопровождают человека всю жизнь — в день его рождения и в день прощания с ним. Ботаники собирают гербарии, медики изучают лечебные свойства, а художники дарят их вечности, делая частью или главным героем своих произведений.

«Цветы живут в людских сердцах;
Читаю тайно в их страницах
О ненамеченных границах,
О нерасцветших лепестках»

Так писала Черубина де Габриак (поэтесса Елизавета Дмитриева), главная героиня блестящей литературной мистификации, разыгранной в начале прошлого века. Эти слова отразили один из основных мотивов искусства того времени — стиля модерн, популярного на рубеже XIX-XX веков в России и на Западе. Но увлечение цветочной символикой в арт-среде началось задолго до этого: известно, что еще в Древнем Египте изображениями священного лотоса — символа воскрешения в новой жизни — украшали колонны, стены храмов и пирамид, а в Древней Греции цветок боярышника символизировал любовь.

Чтением «посланий», зашифрованных в картинах мастеров прошлого, и сегодня занимаются искусствоведы и внимательные зрители. Они знают, что красная гвоздика в христианском искусстве — символ страдания и крови, пролитой Иисусом Христом, лилия — благой вести (по другой версии она появилась из слез Евы, изгнанной из Рая), а белая роза — любви божественной. Но в XV—XVI веках роза присутствовала также в портретах влюбленных, символизируя обручение.

Считается, что язык цветов возник на Востоке, а в Европе о его существовании узнали благодаря французу Обри де ля Моттрею, агенту шведского короля Карла XII, рассказавшему о нем в «Путешествии… по Европе, Азии и Африке» в 1727 году. Русская публика познакомилась с флориографией благодаря бестселлеру «Селам, или Язык цветов» поэта Дмитрия Ознобишина в 1830-м.

Цветочный язык, как любой другой, менялся с течением времени, приспосабливаясь под условия страны, в которой его использовали.

 

 

Цветы присутствуют на иконах, фресках и картинах средневековых художников. Например, «Мадонна в беседке из роз» (1473) Мартина Шонгауэра (1450-1491), на которой изображен любимый позднеготическими художниками мотив — беседка, увитая розами как олицетворение рая, Дева Мария с младенцем в цветущем саду. Шипы на розовых кустах — символ тернового венца Иисуса, роза — традиционный цветок Марии: в псалмах Богоматерь часто уподобляется розовому саду или цветку. Единственная белая роза — символ невинности, а одно из значений ириса — непорочное зачатие. Цветы словно рассказывают то, что осталось за кадром.

 

На многих полотнах религиозной тематики — венки из роз, символа объединения всех христиан, а также обрамление из цветочной гирлянды. Таковы «Богородица, младенец Иисус и ангелы в цветочной гирлянде» (ок. 1616-1617) — совместная работа фламандцев Питера Пауля Рубенса (1577-1640) и Яна Брейгеля (Старшего) (1568-1625) и «Святое семейство с Иоанном Крестителем в цветочной гирлянде» Яна Брейгеля (Младшего) (1601-1678) в соавторстве с Хендриком ван Баленом.

 

 

Но в центре внимания художников XVI-XVII веков — не только божественные сюжеты: у Яна Брейгеля (Старшего) — немало букетов, «Букет цветов» (ок. 1607) — один из них. Его не случайно называли «Цветочным»: флористические композиции выполнены на таком уровне, что многие коллеги просили маэстро изобразить цветы и на их полотнах.

 

 

А у итальянца Джузеппе Арчимбольдо (1526 или 1527—1593), известного «овощными портретами», есть и девушки-цветы. Например, «Флора» (Flora meretrix) (ок. 1590): голову модели украшает венок с оранжевой лилией, шея и грудь — из бело-розовых соцветий. Ее трудно назвать красавицей, но названию героиня соответствует: лепестки сливаются в единый женский образ. Арчимбольдо был оценен и обласкан при дворе, однако далеко не все понимали философский смысл, который он вкладывал в работы.

 

 

Хотя романтик Эжен Делакруа (1798–1863) большинству известен сюжетными картинами «Свобода на баррикадах» и «Смерть Сарданапала», в числе его работ тоже немало цветов, в том числе, «Букет цветов» (1849-1850). А его исследования законов цвета — бесценны для импрессионизма, основы которого он заложил.

«Мы все рисуем на языке Делакруа», — писал Поль Сезанн.

Композиции Делакруа идеально выверены, а сочетания тонких и «смелых» штрихов передают нежную и более плотную текстуру лепестков.

«Изображение цветов — борьба со временем», — считал автор, стремившийся успеть написать цветок до момента его увядания.

 

 

Не обошла цветочная тема и художников-прерафаэлитов. На одной из самых известных работ — «Офелия» (1851–1852) — Джон Эверетт Милле (1829-1896) изобразил сцену гибели шекспировской героини. Природу писал с натуры, поскольку прерафаэлиты считали, что только точность убережет английскую живопись от деградации. Растения для них имели символический смысл, потому розы возле щеки и платья, поле на берегу — вероятно, намек на то, что брат Лаэрт называл ее «розой мая». Ива, крапива и маргаритка связаны с болью и невинностью. Фигура Офелии была добавлена ​​позже: моделью стала фаворитка прерафаэлитов Элизабет Сиддал, для которой картина — своеобразный символ ранней смерти. В течение четырех месяцев она должна была позировать, лежа в ванне с водой, подогреваемой лампами. Однажды они погасли, девушка простудилась, и ее отец, угрожая художнику судебным иском, добился оплаты счетов на услуги доктора. Но прописанное лекарство — опиумная настойка — подорвало ее здоровье: Сиддал умерла в 33 года от передозировки.

 

 

Не меньше символизма и в одной из самых дорогих картин голландца Винсента Ван Гога (1853–1890) «Ирисы», написанной в 1889-м. Известно, что в мае того года, после случая с нанесением увечий, он обратился в приют в Сен-Реми. Там создал почти 130 картин, «Ирисы» писал, работая с натуры в саду. На обрезанную композицию, разделенную на области с крупными цветами, выходящими за рамки, оказал влияние декоративный рисунок японских гравюр. Сам автор считал картину громоотводом для своей болезни, потому что пока писал, мог контролировать недуг.

 

 

«Кувшинки в цвету» (1914-1917) француза Клода Моне (1840-1926) громоотводом не служили — скорее, объектом для медитации и умиротворения. Особый ажиотаж работа вызвала только весной 2018-го, когда была выставлена на аукционе Christie’s — и тут же стала одним из самых дорогих лотов — ушла за 84,7 миллиона долларов.

 

 

Не обошла флоральная тема и русских мастеров: персонажи картины Павла Сведомского (1849—1904) в буквальном смысле «Погребенные в цветах» (1886). Предполагают, что она написана по рассказу из «Истории августов» о том, как римский император Гелиогабал, известный неправедным образом жизни, позвал гостей на пир, а затем приказал засыпать их цветочными лепестками. Они были сброшены с потолка в таком количестве, что люди задохнулись. Таким образом он отомстил врагам, которые порицали его. Разглядев лилии среди множества цветов, вспоминается другая трактовка их символизма — связь со смертью и загробным миром, мотив Персефоны, Аида и воплощение в этих цветах душ умерших.

 

Цветы, которые не отравляют, а радуют глаз, — на картинах мастеров исторической живописи Василия Поленова (1844-1927) — его «Букет цветов» (1880) и Василия Сурикова (1848-1916) — «Букет» (1884), мастеров бытовых сцен Ильи Репина (1844-1930) — «Букет цветов» (1878) и исторической и портретной живописи Ивана Крамского (1837-1887) — «Букет цветов. Флоксы» (1884).

 

 

Особое отношение к нежнейшим лепесткам заметно в портретах и натюрмортах Михаила Врубеля (1856-1910). А его «Роза в стакане» (1904) — символ не только свежести, но и печали, поскольку написана в сложный для него период — смерть сына, болезнь.

 

 

У художников более поздних периодов — свое видение и трактовка. Пример — «Цветок» («Медитативная роза») (1958) Сальвадора Дали (1904-1989): красная роза занимает на небе место солнца, будто освещая жизнь любовью.

 

 

У основателя поп-арта Энди Уорхола (1928-1087) цветы не только легли в основу одноименной серии, но и увели его на время от тем консьюмеризма и смерти.

 

 

Один из самых состоятельных мастеров современности Такаси Мураками (1962) тоже посвятил цветам ряд работ, в том числе — «Дань уважения монопинку 1960» (2012).

 

 

А знаменитые «Тюльпаны» Джеффа Кунса (1955) в 2012 году ушли с молотка за 33,7 миллиона долларов.

«Букет тюльпанов» — символ памяти, оптимизма и исцеления для движения вперед после ужасных событий, произошедших год назад в Париже», — писал Кунс в пресс-релизе в 2016 году об одном из вариантов «Тюльпанов».

Какой посыл вкладывают в цветочные истории другие художники, — вероятно, тоже можно прочитать, используя известный алфавит. Главное — тема по-прежнему актуальна, а потому в цене.

Источник: artifex.ru

Что значат цветы для художников?

Творческие люди смотрят на мир через призму своего чувственного восприятия действительности. Для них важна не столько форма и цвет, сколько наполненность. И этим можно объяснить ту притягательную силу, которая останавливает время и задерживает нас у картин настоящих мастеров.

Британский художник Нейл Кэрролл однажды сказал, что нет ничего сложнее, чем нарисовать розу. И, скорее всего, он имел ввиду не технику изображения, а именно смысловую и эмоциональную составляющую, которую должна нести работа художника. Ведь нет цветов, которые смогли бы выразить чувства точнее, чем розы. В цветах природа соединила красоту, энергию, плодородие, поэтому художники их часто изображают в контексте с женской сексуальностью.

Неувядающая прелесть полураскрытых бутонов, запечатленная на картинах, и сегодня вдохновляет и пробуждает самые глубокие, искренние переживания.

Прислушайтесь к тихому шепоту цветов

Язык цветов зародился еще в древности. Символизм дополнялся новыми штрихами, порой утрачивал смысл, иногда приобретал неожиданные оттенки. Сегодня интерес к языку цвету возродился с новой силой.

Хотите сделать приятный сюрприз – купите букет цветов с доставкой в Казани. Правильно составленная композиция навеет приятные воспоминаниями или заставит забиться сердце сильнее в предвкушении долгожданной встречи.

О чем говорят цветы?

• Георгины. Это символ гордости и неприступности. Часто в букете они выражают сильные, но неразделенные взаимностью чувства.  А вот увидеть георгины во сне – считается хорошим знаком. Это – к счастливой судьбе.
• Розы – классический символ любви. От чисто-белых до темно-бордовых они могут вызвать самые сильные эмоции.
• Герберы – отличный подарок для хорошего настроения. Подарите такой букет приятной и веселой особе, чтобы подчеркнуть свое восхищение ею.
• Гвоздики часто незаслуженно обходят вниманием, но они могут стать отличной основой для букета. Яркие и выразительные – они будут долго напоминать о том приятном моменте, когда вы сделали сюрприз. Красные символизируют пылкость, желтые – разочарование.
• Фиалки – многозначны. Белые означают преданность, синие – скромность и сдержанность.
• Лилиантус – воплощение сдержанной красоты и достоинства. Такие букеты обычно дарят тем, к кому испытывают теплые чувства благодарности.
• Подсолнух как воплощение солнца способен поднять настроение в пасмурную погоду и улучшить самочувствие. Даря подсолнухи, вы подчеркиваете чистоту своих помыслов и искренность намерений.

• Мак – неоднозначен. Он одновременно выражает противоречащие друг другу чувства: это и тоска, и страсть, и желание утешить. Не зря эти цветы встречаются на холстах практических всех великих художников.
• Ромашка – олицетворение простоты и нежности. Этот цветок выражает терпение и умение ждать.
• Сирень считается символом первой любви, которая еще не сама себя не осознает. Такие цветы обычно выбирают в качестве первого букета.

Источник: flowerfor.me