Красочная картина
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Источник: say-hi.me
«Теплые» картины Игоря Левашова
Художник Игорь Левашов родился и учился в России, однако после окончания художественного института решил совершенствовать мастерство в академии искусства в Нидерландах. В этой стране он живет и сейчас.
Главной темой художественных работ Игоря Левашова являются цветы. Художник довел мастерство изображения растений до такой степени, что его картины вполне могут конкурировать с работами известных и прославленных художников.
Посмотрите на эти замечательные работы и обратите внимание, насколько хорошо художнику удается отразить нежность и утонченность цветочных бутонов. Нужно действительно любить цветы, чтобы воспроизводить их на полотнах так реалистично. В картинах Игоря Левашова невероятным образом сочетаются точность и мягкость линий. Именно поэтому его цветы не могут не вызывать восхищения.
Яркие цветочные букеты Гарри Дженкинса
Гарри Дженкинс – современный американский художник, который получил известность благодаря рисункам для открыток. После окончания школы искусств во Флориде он устроился в компанию, выпускающую почтовые карточки.
Чуть позже художник стал учителем рисования и открыл свою первую картинную галерею. Среди его работ особенно выделялись цветочные картины. В его коллекции они и сегодня занимают значимое место. Художник уже немолод, однако продолжает творить и создавать яркие и насыщенные картины. О том, как рисовать цветочные букеты, он даже рассказывает в своих подробных мастер-классах.
Васильковые мотивы Киры Паниной
Российская художница Кира Панина занимается не только живописью, но также графикой и дизайном интерьеров. Ее картины довольно разноплановы и часто отражают эпизоды из жизни, которые чем-то увлекли художницу. Должно быть, поэтому они такие «живые» и душевные.
Значимое место в творчестве Киры Паниной отводится самым разным персонажам: веселым, задумчивым, трогательным, мечтательным. Но есть у нее и восхитительные цветочные работы. Только посмотрите, какую красоту создает эта художница. Так трепетно полевые цветы могла написать только женщина.
Цветочные фейерверки Леонида Афремова
Леонид Афремов родился в Беларуси и здесь же окончил школу искусств, основанную Марком Шагалом. Популярность пришла к нему не сразу – только в 90-х годах, когда он переехал в Израиль.
Творчество этого художника интересно тем, что свои картины Леонид Афремов создает без помощи кисти. Все работы выполняются мастихином – специальным инструментом (нож-лопаточка), который используют в масляной живописи для смешивания красок. С его помощью художник наносит на полотно мазки, рождая невообразимые красочные пейзажи и натюрморты.
Сюжеты картин Леонида Афремова в большинстве случаев незамысловаты, но благодаря технике их выполнения и ярким краскам от них невозможно отвести взгляд. Полотна пропитаны оптимизмом, позитивом и жаждой жизни. И совершенно не важно, что на них изображено: люди, природа, города или цветы.
Источник: www.ogorod.ru
Остановитесь на минутку и впустите в жизнь совершенство. Не так много возможностей у современного человека попутешествовать по миру, чтобы в лучших картинных галереях или музеях посмотреть красивые картины. Подборка фото с описанием шедевров известных художников поможет прикоснуться к прекрасному.
Живопись бывает разной. Одни картины вдохновят и пробудят все лучшее в душе, другие же с жестокой откровенностью откроют темную сторону человека. Великие художники умело воссоздают гармонию и трагедию жизни, божественную величественность мира, открывают красоту в, казалось бы, обыденных вещах.
Такие картины попадают в мировую сокровищницу полотен, независимо от того, где хранятся — в музее или частной коллекции. Прикоснитесь к миру живописи, познакомьтесь с лучшими произведениями классиков и современных мастеров:
Серия «Море» (Юстина Копаня)
Маринистические картины маслом художницы из Польши Юстины Копани создают меланхолическое настроение. Взгляд зрителя приковывает объемность, которую художница создает с помощью рельефных мазков и прорисовок.
Стропила и канаты, борта парусника выглядят реалистичными благодаря объемной технике, которую применяет Юстина Копаня. Автор использует большое количество масляной краски, наносит ее с помощью специального инструмента мастихина. Обычно им удаляют с полотна засохшие краски, Юстина же им пишет картины — формирует рельефные мазки.
Серию «Море» польская художница презентовала в 2010 году и сразу же завоевала аудиторию поклонников современной живописи атмосферностью полотен. Картины Юстины Копани — поэзия красок.
«Вальс солнечных зайчиков» (Лоран Парселье)
Получите позитивные эмоции от знакомства с творчеством французского художника Лорана Парселье. Он знаменит уникальной техникой солнечных бликов, с помощью которых передает красоту окружающего мира, его пестроту и яркость.
Лоран Парселье — современный импрессионист, поэтому его картины исполнены эмоций. Это жизнеутверждающие полотна, наполненные солнечным светом.
Картина маслом «Вальс солнечных зайчиков» презентует особенную технику мастера — мягкие мазки формируют каркас сюжета. Это избавляет импрессионистическое произведение от размытости и туманности.
Художник использует яркие краски, наполняя пространство солнечным светом. Блики солнца создают приподнятое настроение, заставляют поверить в то, что жизнь — это бесконечный праздник.
«Рождение Венеры» (Сандро Боттичелли)
«Рождение Венеры» — это символ эпохи Ренессанса, который представил главные эстетические и философские идеи этой культурной эпохи.
Талантливый флорентийский художник Сандро Боттичелли в образе Венеры, рожденной из морской пены, воплотил идею гармонии духовного и физического, идею величественной красоты человеческого тела.
Огромным достижением художника стало изображение главной героини — Венеры. Ее Боттичелли писал с первой красавицы Флоренции — Симонетты Веспуччи. Художник передал ее грациозность и нежность, утонченность и воздушность. Этот женский образ сочетает одухотворенность Мадонны (таков лик героини) и гармоничное телосложение — воплощение физического совершенства. Черты Венеры и других персонажей картины — вневременной идеал красоты.
Это полотно таит в себе множество загадок. Одна из них — это то, как художнику удалось оживить Венеру, сделать ее образ легким и реалистичным. Все дело в лессировке — нанесении слоев полупрозрачной краски.
«Звездная ночь» (Винсент Ван Гог)
«Звездная ночь» — картина, которая выбивалась яркостью красок и загадочностью из ряда работ Ван Гога времен его пребывания в Арли. Известно, что в этот период художник находился в депрессии. Он был разочарован, его одолевали приступы психического расстройства. И вдруг рождается «Звездная ночь» — воплощение надежды, торжества красоты, гармонии.
Сам мастер утверждал, что картина стала для него символом надежды и мечты. На зрителей завораживающе действует особая техника, которую использовал художник: концентрические круги создают впечатление бесконечности жизни, глубины Вселенной, величественность звезд — совершенной красоты мира.
Полотно представляет гармонию небесного и земного: бездонность неба уравновешивают кипарисы, которые тянутся к небу в желании присоединиться к вечному движению светил. За ними тянется и весь провинциальный городок. Так рождается романтическое ощущение прикосновения к вечному, которое одухотворяет обычного человека, возвышает его.
«Звездная ночь» Ван Гога напоминает о присутствии непознанного, таинственного и загадочного, что всегда будет манить людей, отрывать их от будничности и серости. Главное — взглянуть на небо, усеянное звездами.
Ученые утверждают, что это полотно содержит небольшую тайну, которая является ключом к замыслу художника. Звездные спирали воплотили последовательность Фибоначчи — гармоничную последовательность чисел, которую художники и математики древности находили в анатомии человека и окружающем мире.
«Голубые танцовщицы» (Эдгар Дега)
Эта картина была создана художником в последний период его творчества. Она не единственная, которая была посвящена балеринам. В мире искусства Дега называли живописцем танцовщиц. В их изящных фигурах его привлекала грациозность движения и красота ткани.
Дега живописными приемами стремится передать эстетику танца, зафиксировать женственность в движении. Сам художник был невысок ростом и неуклюж, поэтому его привлекала изысканная и утонченная женская красота, которая раскрывалась в танце.
Картина «Голубые танцовщицы» выполнена пастельными красками. Автор использовал технику расплывчатых мазков. Искусствоведы объясняют это тем, что Дега в период создания картины страдал от возрастной утраты зрения, а также импрессионистической манерой автора.
Эта размытость как раз и передавала легкость и непринужденность движений танцовщиц, которые готовятся к выходу на сцену. Эдгар Дега наносил и растушевывал краски пальцем. Это позволило достигнуть глубины цвета, его насыщенности и мерцания.
Картина имеет тайну: ученые предполагают, что на картине изображена одна и та же девушка в разных позах. Подтверждение тому эскизы, которые сделал мастер.
Читайте также: Самые загадочные картины великих художников
«Последний день Помпеи» (Карл Брюллов)
Чтобы изобразить гибель древнеримского города, уничтоженного проснувшимся Везувием, Карл Брюллов во время пребывания в Италии в 1827 году посетил раскопки Помпеи. Работа над полотном продолжалась шесть лет.
Художник изобразил одну из улиц Помпеи — улицу Гробниц. Ему удалось показать лучшие качества людей в ситуации разыгравшейся катастрофы. Небо укрыто клубами дыма, озарено кровавой зарницей пламени, которое извергает Везувий. Рушится все, что построено руками людей. Картина передает апокалипсис: культура отступает перед природной стихией.
Но важно другое: в момент гибели города его жители проявляют благородство, смелость и мужество. Автор мастерски передал симбиоз страха и беспокойства о ближнем, отраженных на лицах героев. Родители стараются защитить детей от лавы, сыновья выносят на руках больного отца.
На картине представлены два священника — христианский, который вверил судьбу небесам и спокойно взирает на происходящее, и языческий жрец, который уносит под плащом драгоценные культовые реликвии. Эти два образа символизируют установление верховенства христианской веры.
Центральный образ полотна — упавшая с колесницы женщина и маленький ребенок возле нее. Это напоминает о том, что человек лишь беззащитное дитя.
Карл Брюллов в «Последнем дне Помпеи» сочетал черты романтизма и классицизма (герои представлены в группах по трое), использовал техники античного искусства (изобразил обнаженные натуры, задрапированные тканями). Все это придает величественности и трагического пафоса картине.
«Джоконда» (Леонардо да Винчи)
О «Моне Лизе» да Винчи написаны тысячи научных трудов, сотни литературных произведений, однако произведение не перестает поражать своей красотой уже более полувека. Эта картина — символ философии Ренессанса, воплощение гуманизма.
Лиза Герардини (дель Джокондо) — знатная флорентийка, искусно изображенная великим художником Возрождения, покорила мир таинственностью своей улыбки. Загадочно приподнятые уголки губ, в которых только угадывается рождение усмешки, поставили в тупик многих искусствоведов.
Какие только версии ни высказывались: одни находили черты сходства модели и самого художника, указывали на похожесть Моны Лизы на любовника Леонардо. Однако восхищение вызывает не только героиня, а в целом композиция и техника, в которой выполнен шедевр.
Эта техника называется смуфато. Для нее характерно смягченное изображение фигур, людей и предметов. Кажется, что их окутывает и наполняет воздух. Мастерство художника, который использует эту технику, состоит в том, что толщина мазков не превышает 0,3 микрона.
Ученым так и не удалось разгадать загадку пейзажа, изображенного за спиной Джоконды. Считают, что это шифр, в котором зафиксированы тайные знания, полученные Леонардо от собратьев по эзотерическому обществу. Удивляет диспропорция композиции: правая сторона больше левой. И это только малая часть загадок портрета.
«Девушка с жемчужной сережкой» (Ян Вермеер)
Эту картину часто называют голландской сестрой «Джоконды». Девушка, изображенная Вермеером более 300 лет тому, — это воплощение изящества и невинности. Художнику удалось передать нежность и бархатистость ее кожи, выразительные голубые глаза, приоткрытый в удивлении ротик. Девушка представлена в движении: кажется, что она повернулась на чей-то окрик и вот-вот с ее губ слетят слова. Этот образ динамичный и загадочный.
На полотне есть четкий контраст темного и светлого. Своеобразная разделительная линия между ними — жемчужная сережка. Так автор добился трехмерности изображения. Для этого Вермеер воспользовался техникой лессировки — нанес полупрозрачные слои масляной краски поверх базового цвета.
Картина выполнена в популярном в XVII веке жанре трони, когда живописцы писали не полностью потрет, а только голову натурщика. Мастерство Яна Вермеера в том, что в картине «Девушка с жемчужной сережкой» он воссоздал психологический потрет девушки, открыл тайну ее эмоций и переживаний.
«Девочка на шаре» (Пабло Пикассо)
Картина Пабло Пикассо иносказательно передает эстетические поиски модернизма. В начале века творчество модернистов было сродни творчеству бродячих циркачей. Поэтому художник и выбрал сюжет, в котором представлен эпизод подготовки цирковых актеров к выступлению.
Главный конфликт — конфликт форм: шар — воплощение неподвижности и неустойчивости, неконтролируемости движений, а куб — это стабильность и устойчивость, тяжеловесность. Девочка — символ хрупкости и изящества, воплощение слепого поиска художественной выразительности. Гимнаст, готовый прийти на помощь юной коллеге, наоборот, статичен. Он символизирует стабильность и надежность.
В картине есть и цветовой конфликт розового и голубого, который передает душевное состояние самого художника и творческие изменения в его манере. Завершается длительный период депрессии, в которую впал Пикассо после известия о смерти своего друга Карлоса Касагемаса в 1901 году, и начинается яркий эмоциональный розовый период. Поэтому на полотне герои изображены на фоне розовато-красного пейзажа, символизирующего жизнь и движение.
«Девятый вал» (Иван Айвазовский)
«Девятый вал» — самая знаменитая и самая талантливая картина из всех, созданных Айвазовским. Она впечатляет грандиозностью и масштабностью изображенных событий, глубоким содержанием и подтекстом.
Во-первых, автору удалось передать неукротимость и могущество водной стихии. Во-вторых, показать противостояние человека и природы, из которого он выходит победителем.
Девятый вал — самый сильный, но последний во время шторма. Он накатывает на судно, стремясь опустить его на морское дно, но первые лучи солнца усмиряют стихию и дают шанс человеку спастись. Теплые тона картины смягчают грозность волн, они вселяют надежду на то, что людям на лодке удастся спастись.
Эта картина притягивает внимание своей символичностью. Посетители Русского музея, созерцая «Девятый вал», сопоставляют себя с героями картины, представляют собственную борьбу с волнами житейского моря.
Лучшие творения мировой живописи — это источник вдохновения и откровения. Они познакомят с различными техниками и манерами художников, откроют эстетическое совершенство образов и глубокий философский смысл, переданный с помощью линий, образов, деталей. Приобщитесь к прекрасному, наполните жизнь красотой и совершенством, рожденными кончиком кисти мастера.
Читайте также: Современные художники Казахстана и их работы
Источник: www.nur.kz
Объемные пейзажи Юстины Копаня
Обладательница невероятного навыка польская художница Юстина Копаня (Justyna Kopania) в своих экспрессивных размашистых работах смогла сохранить прозрачность тумана, легкость паруса, плавное покачивание корабля на волнах.
Ее картины поражают своей глубиной, объемом, насыщенностью, а текстура такова, что от них невозможно оторвать взгляд.
Теплая простота Валентина Губарева
Художник-примитивист из Минска Валентин Губарев не гонится за славой и просто делает то, что любит. Его творчество безумно популярно за рубежом, но почти незнакомо его соотечественникам. В середине 90-х годов в его бытовые зарисовки влюбились французы и заключили с художником контракт на 16 лет. Картины, которые, казалось бы, должны быть понятны только нам, носителям «скромного обаяния неразвитого социализма», понравились европейской публике, и начались выставки в Швейцарии, Германии, Великобритании и других странах.
Чувственный реализм Сергея Маршенникова
Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника — Наталья.
Близорукий мир Филипа Барлоу
В современную эпоху картинок высокого разрешения и расцвета гиперреализма творчество Филипа Барлоу (Philip Barlow) сразу привлекает внимание. Однако от зрителя требуется определенное усилие для того, чтобы заставить себя смотреть на размытые силуэты и яркие пятна на полотнах автора. Наверное, так видят мир без очков и контактных линз люди, страдающие близорукостью.
Солнечные зайчики Лорана Парселье
Живопись Лорана Парселье (Laurent Parcelier) — это удивительный мир, в котором нет ни грусти, ни уныния. У него вы не встретите хмурых и дождливых картин. На его полотнах много света, воздуха и ярких красок, которые художник наносит характерными узнаваемыми мазками. Это создает ощущение, будто картины сотканы из тысячи солнечных зайчиков.
Динамика города в работах Джереми Манна
Маслом на деревянных панелях американский художник Джереми Манн (Jeremy Mann) пишет динамичные портреты современного мегаполиса. «Абстрактные формы, линии, контраст светлых и темных пятен — все создает картину, которая вызывает то чувство, которое человек испытывает в толпе и суматохе города, но также может выразить и спокойствие, которое обретается при созерцании тихой красоты», — говорит художник.
Иллюзорный мир Нила Саймона
На картинах британского художника Нила Саймона (Neil Simone) все не так, как кажется на первый взгляд. «Для меня мир вокруг — это череда хрупких и постоянно меняющихся форм, теней и границ», — говорит Саймон. И на его картинах все действительно иллюзорно и взаимосвязано. Границы смываются, а сюжеты перетекают друг в друга.
Любовная драма Жозефа Лорассо
Итальянец по происхождению современный американский художник Жозеф Лорассо (Joseph Lorusso) переносит на холст сюжеты, подсмотренные им в повседневной жизни обычных людей. Объятия и поцелуи, страстные порывы, минутки нежности и желания наполняют его эмоциональные картины.
Деревенская жизнь Дмитрия Лёвина
Дмитрий Лёвин — признанный мастер русского пейзажа, зарекомендовавший себя как талантливый представитель русской реалистической школы. Важнейший источник его искусства — привязанность к природе, которую он нежно и страстно любит и частью которой себя ощущает.
Яркий восток Валерия Блохина
На Востоке все иначе: другие краски, другой воздух, другие жизненные ценности и реальность сказочнее вымысла — так считает современный художник Валерий Блохин. В живописи Валерий больше всего любит цвет. Его работа — это всегда эксперимент: он идет не от фигуры, как большинство художников, а от цветового пятна. У Блохина своя особая техника: сначала он наносит на полотно абстрактные пятна, а затем дорисовывает реальность.
Экспрессивная романтика Алексея Чернигина
На большинстве картин Алексея Чернигина маслом на холсте запечатлены красота, романтика и мгновения истинных чувств. Свой талант и тягу к искусству Алексей Чернигин унаследовал от отца — известного российского художника Александра Чернигина. Ежегодно они устраивают совместную выставку в своем родном Нижнем Новгороде.
Источник: cameralabs.org